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Hommage à Richard Marienstras (1928-2011), par Dominique Goy-Blanquet

Richard Marienstras était assistant à la Sorbonne quand je l’ai vu pour la première fois en action, non pas dans une salle de cours, mais sur un plateau de théâtre, au Centre Américain, rue du Dragon. Une annonce en amphi avait convié les amateurs à rejoindre une troupe étudiante qui voulait jouer des œuvres de langue anglaise en anglais, l’ATLAS. Nous sommes en 1964, année du quatre-centième anniversaire de Shakespeare, que la nouvelle troupe célèbre par la mise en scène de duos « amoureux ». Richard en dirige deux :  Gloucester et Lady Anne, Pyrame et Thisbé. À la suite d’une défection, il reprend au pied levé le rôle de Thisbé, dont il donne une interprétation hilarante, et nous fait partager sa relecture radicalement novatrice du Songe d’une nuit d’été, une expérience qui sera pour moi décisive. Ses étudiants apprennent par son exemple à ne jamais se satisfaire d’une lecture en survol, d’une explication superficielle. Devenus enseignants, plusieurs d’entre eux continuent à se glisser dans ses salles de cours, parce que du mot, du geste, du sourire, il éclaire les strates des textes les plus arides, les plus enfouis dans le passé. Bien plus tard, lors de son départ à la retraite, ils apprendront par le discours d’une de ses collègues son passé de résistant, et son action au sein de l’American Joint Distribution Committee, chargé d’aider les rescapés des camps à trouver un asile.

Au fil de ses lectures, il ne cesse d’approfondir sa réflexion sur les comportements de l’individu face au pouvoir, les ressorts de l’action politique et ses inévitables compromissions, les formes insidieuses de la trahison, la puissance corruptrice du mal, l’impossible idéal d’une cité libre et vertueuse. De santé fragile, il fait preuve d’une probité intellectuelle exigeante, d’une sensibilité aiguisée par les épreuves de l’exil, incarnant à la fois l’espoir d’un avenir meilleur et les désillusions d’un Brutus. Témoin de son impressionnante érudition, la bibliographie composée par Michèle Vignaux pour Shakespeare et le désordre du monde (Gallimard 2012) recense une ample variété d’ouvrages qu’il a tous lus avec la même profondeur et le même soin scrupuleux des nuances.

Début 1967, il fonde le Cercle Gaston-Crémieux avec un groupe d’intellectuels juifs socialistes auxquels viennent se joindre Pierre Vidal-Naquet, Léon Poliakov ou encore Claude Lanzmann, dans le but de « susciter des confrontations, recherches, libres débats et actions sur les questions soulevées par le fait juif, en France et dans le monde ». Se définissant à la création comme « un cercle de réflexion juif, laïque, diasporiste, engagé à gauche », hostile au centralisme autoritaire de la Cinquième République, le Cercle fait le choix d’« une existence juive diasporique sans risque d’inféodation à la synagogue ou au sionisme ».

En mai 68, sans adhérer corps et âme à leur mouvement, il défile avec les étudiants, les aide à construire une barricade, et poursuit cette expérience démocratique en participant, avec Élise, son épouse, à la création de l’Institut d’études anglophones Charles-V, UER de l’université Paris-VII–Denis-Diderot, aventure qui rompt avec la hiérarchie mandarinale et les cours magistraux en amphi, et qui instaure un dialogue entre les disciplines. Il y installe le groupe CNRS de recherche sur les arts du spectacle conduit par Jean Jacquot, dont les débats théoriques entre spécialistes de Goldoni, Calderón, Shakespeare ou Wagner, du théâtre d’agit-prop, des mystères, des fêtes de cour et des spectacles de rue produisent une magistrale collection d’ouvrages intitulée ‘Les voies de la création théâtrale’ – approche innovante des œuvres dramatiques à une époque où on les lisait encore comme n’importe quel texte littéraire.

En juin 1979, ses travaux sont couronnés par un doctorat d’État sous la direction de Jean Jacquot, intitulé « Aspects de la société, des idéologies et du drame élisabéthains ». Son centre d’études à Charles-V, le CERLA, en partenariat avec la Faculté des langues de l’université de Picardie, explore des thèmes qui lui tiennent à cœur, tels que le tyran, la guerre, la cité, l’amitié, la filiation, et dont certains donneront lieu à des ouvrages collectifs. Il contribue également aux recueils des Cahiers Charles-V. Le lien implicite entre ses deux principaux champs de réflexion, présent dans l’ensemble de son œuvre, apparaît clairement mis en évidence dans l’exposé sur le génocide troyen de son dernier livre, Shakespeare au XXIe siècle. Petite introduction aux tragédies, qui aurait dû constituer l’introduction aux tragédies de l’édition Pléiade.

Observateur attentif de l’actualité théâtrale, Richard traduit Henri VIII pour Gabriel Garran qu’il a rencontré au Festival de Nancy, suit les débuts de Peter Brook dans les décombres des Bouffes-du-Nord, compare La Tragédie du roi Christophe à celle du Roi Lear. Parce qu’il faut du théâtre dans la cité. Des metteurs en scène, il attend qu’ils transmettent et aident à entendre une œuvre du passé, qu’ils créent sur scène un univers dont les valeurs enfuies redeviennent intelligibles. Trop souvent, selon lui, des archéologues du théâtre nous restituent une tragédie sans la faire revivre. « Il reste qu’à de peu nombreuses, mais mémorables occasions, la modernité de Shakespeare nous étreint avec une force irrésistible », quand elle est mise en scène ou en film par des créateurs dotés d’un talent immense, comme Orson Welles, Jean Vilar, Giorgio Strehler, écrit-il dans son dernier ouvrage (Shakespeare au XXIe siècle. Petite introduction aux tragédies, 90). La configuration du monde moderne a rendu la tragédie quasiment impossible : « Pour qu’elle revienne au monde, il faudra que le monde se civilise à nouveau » (Shakespeare au XXIe siècle, Petite introduction aux tragédies, 24).

Membre fondateur de la Société française Shakespeare avec Henri Fluchère, Marie-Thérèse Jones-Davies, Robert Ellrodt et Gilles Monsarrat, Richard en assure la présidence de 1993 à 1997. La SFS rend hommage à ses travaux par un congrès intitulé « Shakespeare et la Cité » (2010) et publie, dans les Actes, un florilège de ses textes qui ont été lus au cours du colloque, le jour de sa dernière visite publique à ses collègues. A été diffusé également, à cette occasion, son entretien avec Orson Welles, réalisé pour la télévision par Isidro Romero, un dialogue stimulant entre deux esprits aigus en chaleureuse complicité. À l’issue du colloque de mai 2025 célébrant le cinquantième anniversaire de la SFS et dédié à ses fondateurs, les anciens étudiants et collègues de Richard sont venus nombreux partager avec Élise leurs souvenirs émus de son charisme et de sa lumineuse intelligence.

Dominique Goy-Blanquet

Au sujet de Richard Marienstras, voir également:

GOY-BLANQUET Dominique, “MARIENSTRAS Richard”, Dictionnaire des études anglophones en France : histoire et épistémologie.
https://hepistea.huma-num.fr/acteurs-et-actrices/marienstras-richard/
DOI : https://doi.org/10.71909/WNBR-0T08

 

 

 

 

 

Hommage à Jean-Marie Maguin (1943-2022), par François Laroque

Élu en 1998 à la tête de la Société Française Shakespeare, Jean-Marie Maguin reprend, une bonne dizaine d’années plus tard, le flambeau transmis par Jean Fuzier, dont il avait été l’élève. Jean-Marie Maguin présidera la SFS jusqu’en 2005 avec beaucoup de sérieux et d’efficacité, et a eu le mérite de lancer la Société dans de nouvelles directions, en particulier avec un premier congrès innovant sur le thème de « Shakespeare et le cinéma ».

Aux côtés de Jean Fuzier et avec l’aide précieuse de son épouse Angela, il avait lancé la revue Cahiers élisabéthains qui, après des débuts modestes, allait peu à peu acquérir une réputation internationale, en partie grâce à ses nombreux comptes rendus de mise en scène en France et à l’étranger.

Parmi les nombreux travaux de ce chercheur passionné, on citera son Shakespeare, une grosse biographie co-écrite avec Angela et publiée chez Fayard en 1996, ainsi que sa collaboration aux deux volumes du Théâtre élisabéthain parus dans La Bibliothèque de la Pléiade en 2009. En 2017, il publia Shakespeare and the Rhetoric of Elocution tant il est vrai qu’avec le Moyen Âge (son doctorat d’État était en effet intitulé « La nuit dans le théâtre de Shakespeare et de ses prédécesseurs »), la rhétorique était en effet l’un de ses sujets de prédilection. Il avait commencé à travailler à une biographie de Chaucer pour le même éditeur mais il se trouva malheureusement contraint de l’abandonner au milieu du chemin.

Travailleur infatigable, Jean-Marie était devenu un ami personnel. C’était un homme auquel on pouvait faire entièrement confiance, qui ne lésinait pas sur les encouragements qu’il prodiguait et qui donnait toujours de son temps pour relire articles, comptes rendus et thèses quand on faisait appel à lui.

Véritablement pionnier dans plusieurs domaines, il aura été un inspirateur pour ses collègues et ses étudiants ainsi qu’un Président de grande qualité auquel la Société Française Shakespeare reste infiniment redevable.

François Laroque

Hommage à Jean Fuzier (1926-1995), par François Laroque

Photographie prise lors des cérémonies du 23 avril à Stratford en 1987.

Jean Fuzier est né à Grenoble il y aura bientôt un siècle. Il a été élève en classes préparatoires au lycée du Parc à Lyon avant d’intégrer l’École Normale Supérieure de la rue d’Ulm en 1946. Après avoir été lecteur en Écosse, il est ensuite admis à l’agrégation d’anglais, ce qui l’amènera à enseigner sa discipline dans le secondaire à Amiens et à Neuilly. Plus tard dans sa carrière, il est nommé assistant à la Faculté des Lettres de Montpellier où il obtient un poste de Professeur en 1979. Il partage alors son temps entre l’enseignement, la recherche et la culture de ses oliviers du domaine de Margaillan, près d’Arles (quand on l’invitait à dîner, il ne manquait jamais d’apporter une bouteille d’huile d’olive de sa production).

Inlassable traducteur, on lui doit les « Œuvres poétiques » de Shakespeare dirigé par Henri Fluchère pour la Bibliothèque de la Pléiade et une édition critique des « Sonnets » ainsi qu’une traduction des poèmes de John Donne écrite en collaboration avec Yves Denis, son collègue à Amiens.

Éminent spécialiste du théâtre élisabéthain, il crée avec son collègue Antoine Demadre le CERE (le Centre d’Études et de Recherches Élisabéthaines) à l’Université Paul Valéry de Montpellier ainsi que la revue Cahiers Élisabéthains avec Jean-Marie Maguin. Après son élection en 1982 à l’Académie d’Arles où son discours de réception porte sur André Dulaurens, médecin arlésien et inspirateur des lettres européennes, il succède en 1984 à Marie-Thérèse Jones-Davies, la première présidente de la Société. Pendant les trois années de son mandat, Jean Fuzier va s’attacher à inviter à ses congrès annuels des membres du Shakespeare Institute de l’Université de Birmingham, mais installé dans la ville natale du barde à Stratford-Upon-Avon. Il avait ainsi pu nouer avec eux d’excellentes relations personnelles dans le cadre du Séminaire annuel conjoint qu’il avait contribué à mettre en place. C’était l’occasion d’écouter des spécialistes anglais de Shakespeare mais aussi des acteurs de la Royal Shakespeare Company comme Tony Church ou Judy Dench.

Jean Fuzier était une personne chaleureuse, un bon vivant, un homme simple d’un abord facile et qui, en dehors de ses chers oliviers, avait une vraie passion pour la science-fiction et la littérature policière, sans parler de l’art de la contrepèterie qu’il maîtrisait à la perfection. Il n’hésitait d’ailleurs pas à collaborer de temps en temps sous un pseudonyme au fameux « Album de la Comtesse » du Canard Enchaîné. Je me souviens qu’un soir, au lieu de la sacro-sainte bouteille d’huile d’olive, il arriva chez moi avec un long poème en alexandrins, où chaque vers était une contrepèterie, et qu’il avait, comme il se doit, intitulé « La complainte d’une femme déçue ». Il me dédicaça alors avec un sourire et non sans une certaine forme de jubilation…

François Laroque

Hommage à Jean Jacquot (1909-1983), par Dominique Goy-Blanquet

 

À  l’époque, la rédaction d’une thèse pouvait durer toute une vie, a fortiori si elle prétendait s’attaquer à Shakespeare. Au moment de choisir un sujet, après un temps d’hésitation,  je suis allée consulter Richard Marienstras, qui avait éclairé mes premiers pas dans l’œuvre de Shakespeare. N’étant pas encore docteur, il m’a conduite chez  Jean Jacquot. Un vieux monsieur d’une extrême maigreur. Il devait avoir une soixantaine d’années, mais paraissait beaucoup plus âgé, sans doute, je l’ai su plus tard, l’effet d’une longue maladie soignée pendant des années en sanatorium. Quand il parlait en public, mieux valait s’asseoir au premier rang, le plus près possible de la tribune, pour ne rien perdre de sa voix grêle.

C’est Jean Jacquot qui m’a orientée vers les pièces historiques, et après lecture de son brillant article, ‘Histoire et tragédie dans Henry VI’, j’ai opté sans plus d’hésitation pour la première Henriade, ce dont je lui garde une profonde reconnaissance. Son équipe CNRS de recherches théâtrales et musicologiques se réunissait chez lui depuis la création en 1966, mais en 1971, Richard Marienstras l’avait convié à l’installer au tout neuf Institut Charles-V. Invitée au séminaire qu’ils pilotaient ensemble, j’ai débarqué dans une sorte de parlement dont le but et les principes mêmes m’échappaient, fait d’échanges parfois très vifs croisant langues, littératures, théories, formes de spectacles les plus diverses à travers les âges, aux antipodes des cours de Sorbonne que j’avais suivis jusque là. Là, Jean Jacquot s’est révélé peu à peu doté d’un humour low key, immensément savant, grand amateur de musique. Je le revois écoutant avec délice un motet de Monteverdi destiné à nous faire saisir la fonction dramatique de la basse continue.

Au séminaire de l’année suivante, consacré au lieu scénique, j’apprends que je vais faire un exposé sur Richard III. Ma nouvelle éducation a commencé par une séance de travail chez lui, au-dessus d’un exemplaire du Folio, et plus précisément une disdascalie, ‘Enter one Citizen at one doore, and another at the other’ (II.iii). « Vous  voyez, m’a-t-il dit, il y avait donc deux portes sur scène. » Il m’a fallu un certain temps pour comprendre le sens et l’importance de ces deux portes.  Le groupe se composait de plusieurs équipes allant du théâtre médiéval aux créations les plus récentes. Ces travaux pionniers parurent d’abord dans la collection fondée par Jean Jacquot, « Le Chœur des Muses », sorte de chorale pluridisciplinaire, puis dans « Les Voies de la création théâtrales ».  Parmi ses propres monographies, je citerai sa thèse sur George Chapman : sa vie, sa poésie, son théâtre, sa pensée,  son édition de Bussy d’Amboise,  Shakespeare en France : mises en scène d’hier et d’aujourd’hui. Membre fondateur de la Société Shakespeare, au premier congrès il avait prononcé l’entrée en matière d’une table ronde sur la tragédie réunissant Robert Ellrodt, Marie-Thérèse Jones-Davies, Nicole Loraux, Richard Marienstras, Jean-Pierre Vernant et Pierre Vidal-Naquet.

Principe d’échanges qu’appliquera aussi la Société Shakespeare, des metteurs en scène, des acteurs, venaient parfois au séminaire parler de leur ouvrage en cours. Stuart Seide et Wladimir Yordanoff sont venus présenter  Dommage  qu’elle soit une putain, créée dans la salle Dussanne de la rue d’Ulm. Jean-Pierre Ryngaert, son Histoire du Soldat. Le Timon d’Athènes des Bouffes-du-Nord a fait l’objet de plusieurs séances, notamment sur la traduction du texte, remise en contexte par Richard Marienstras, passée au peigne fin par Jean Jacquot, dont j’ai retenu au moins un commentaire sur la qualité des injures :  « Noyez-les dans les gogues », très bien, d’une vigueur digne du registre élisabéthain, « minable emmerdeur », médiocre, fausse note. C’est au cours de ces séances que j’ai entendu pour la première fois un exposé magistral sur la mise en scène de Peter Brook par Georges Banu, qui suivait les répétitions. Tous travaux développés dans le tome V des « Voies de la création théâtrale », entre L’Âge d’or de Mnouchkine et Fin de partie de Beckett.

Au moment de partir à la retraite, en 1978, Jean Jacquot m’a informée qu’il confiait la direction de ma thèse à Richard Marienstras, désormais mieux au fait que lui des dernières parutions intéressant mon sujet, le passage des sources à la scène, mais promis qu’il ferait partie de mon jury. Hélas, il n’a pas pu tenir cette promesse, la mort l’a devancé.

Il s’est éteint dans la nuit du 14 au 15 juillet 1983, peu avant la parution du recueil d’hommage que lui préparaient ses collègues et amis. Leur ouvrage, Arts du spectacle et histoire des idées (1984), inclut sa bibliographie, soit quatre-vingt titres montrant l’ample variété de son champ d’études, et le texte qu’il avait rédigé le 7 juillet  « En remerciement d’un don, quelques réflexions sur un chemin suivi… » Celui de son itinéraire intellectuel, du métier de chercheur qui était aussi une vocation, « cette exigence profonde qui est à l’origine de toute quête. On cherche d’abord pour soi, pour satisfaire son propre désir de comprendre, et de saisir l’ordre des choses. » Mais il n’existe pas de savoir isolé : « En même temps qu’il affirme l’originalité de sa démarche, l’individu prend mieux conscience d’une dépendance inéluctable entre les chercheurs. »

Ainsi son ouverture d’esprit, sa générosité ont-elles rassemblé une communauté de spécialistes prêts à « faire le tour d’un même sujet sous divers angles ». Le théâtre y tenait une large place, souligne-t-il, mais il attachait « un intérêt particulier aux œuvres où le conflit entre les hommes se doublait d’un affrontement des idées, d’un débat sur les problèmes de la connaissance et de la conduite morale. » Quant à la création musicale, elle « ne s’accomplit pas dans l’abstrait, ni dans un espace national clos mais dans une société et un milieu de culture traversés par des courants d’influences et d’échanges. » Comme le dit si justement Jean-Michel Vaccaro en tête de cet hommage, « il était l’homme des correspondances mystérieuses et subtiles entre les êtres, entre les arts, entre les cultures. »

Dominique Goy-Blanquet

 

Message d’Isabelle Barber, petite-fille d’Henri Fluchère (1898-1987)

Message lu par Margaret Jone-Davies lors du Congrès annuel de la SFS en 2025:

Ladies and Gentlemen,

I was delighted to be asked to send you best wishes on this special occasion of the 50th anniversary of the French Shakespeare Society.

Fifty years ago, my grandfather, a devoted scholar and passionate lover of Shakespeare’s work, helped found this society. For him Shakespeare was not just a playwright. He was a lifelong companion, an enigma to puzzle over, a poet to translate with care, and a mirror held up to human nature.

He took immense delight in delving deep into the texts, uncovering hidden  meanings, wrestling with ambiguities, and bringing the Bard’s words to life in another language. He believed that translation was not merely about converting words, but also about conveying soul. It was through this conviction that he helped build a community of scholars, readers, and performers who have, over the decades, carried that flame forward.

Today, as we celebrate fifty years of this remarkable journey, I know he would be deeply moved – though likely quoting “What’s past is prologue”, reminding us that the real story is still unfolding.

To all of you who continue the work he loved so dearly, thank you. To my grandfather: your passion endures, your voice echoes still.

Here’s to the next fifty years!

Isabelle Barber

Au sujet d’Henri Fluchère, voir également:

DUNAN-PAGE Anne, “FLUCHÈRE Henri”, Dictionnaire des études anglophones en France : histoire et épistémologie. 

https://hepistea.huma-num.fr/acteurs-et-actrices/fluchere-henri/

Hommage à Marie-Thérèse Jones-Davies (1920-2006), par Margaret Jones-Davies

Dans une lettre à son père, Montaigne raconte comment La Boétie, sur son lit de mort, le supplie de lui « donner une place ». Montaigne ne comprend pas bien le sens de cette supplique mais il la rapporte. C’est l’importance d’avoir un lieu, même dans la mort – et je rejoins ainsi le thème du colloque Shakespeare et l’Esprit du Lieu.

Ces hommages aux premiers présidents disparus de la Société Française Shakespeare sont une manière de leur donner un lieu.

Je vais parcourir les lieux dans la vie de Marie-Thérèse Jones-Davies où se sont élaborées les prémices de la Société.

Oxford dans les années 50. Ma mère bénéficie du soutien du CNRS pour effectuer sa recherche à la Bodléienne en vue d’une thèse sur Thomas Dekker dont le sujet avait été inspiré par Floris Delattre. A Lyon, elle avait été l’étudiante de Léonie Villard (1878-1970), la première femme Professeur d’Université spécialiste des lettres anglaises. (Son Journal de guerre a été traduit et publié par Marie Mianowski, Professeur à Grenoble, en 2024 – autre acte de mémoire).

C’est à Oxford que Marie-Thérèse Jones-Davies rencontre à la Maison Française qu’il avait fondée, Henri Fluchère qui sera aussi le fondateur de la Société.

Sainte-Tulle dans les années 70. Une vingtaine d’années plus tard alors qu’il prépare les statuts de la société, il convainc ma mère, qu’il appelle avec humour « La Baronne », d’en devenir la présidente. Avec Marie-Jeanne Durry et Robert Ellrodt elle s’occupe de la publication des Mélanges de Shakespeare à T.S. Eliot (1976) en honneur à Henri Fluchère. Je garde un souvenir vivant de ce séjour à Sainte-Tulle, où l’admirateur de Giono nous faisait découvrir cette Provence qu’il aimait tant. Ma mère écrira un hommage à Henri Fluchère dans les Actes du Congrès de 1987.

Paris Marie-Therèse Jones-Davies (professeur à la Sorbonne en 1967) sera présidente de la SFS de 1979 à 1983 et de 1989 à 1994 (après une interruption de quatre ans où Jean Fuzier, professeur à Montpellier sera président.)

Elle est l’auteur de Thomas Dekker, un peintre de la vie londonienne Didier, 1958 (2 volumes connus sous le nom humoristique de « double decker », Médaille de bronze du CNRS, Prix Alberic Rocheron, de l’Académie Française, 1960), édition et traduction de Beaumont et Fletcher, The Knight of the Burning Pestle, Aubier, 1958 ; Inigo Jones, Ben Jonson et le Masque, Didier, 1967, Ben Jonson, Seghers, 1973, Victimes et Rebelles, Aubier, 1980, Shakespeare Le théâtre du monde, Balland, 1987 (Prix Biguet de l’Académie Française, 1988).

Les lieux parisiens de la SFS seront l’École Normale Supérieure, rue d’Ulm, et pour les mémorables Journées Shakespeare le Centre Pompidou  (remémorées par une très belle affiche d’Adami), puis dans la deuxième période le Palais du Luxembourg. Henri Fluchère est le Président d’Honneur et les vice-présidents sont les professeurs Michel Grivelet, Jean Jacquot, Louis Lecoq et Richard Marienstras.  Jean Fuzier,  Jean-Marie Maguin et Fernand Lagarde, sont respectivement secrétaire, trésorier et archiviste.

Ce qui caractérisa la SFS depuis les débuts ce fut le lien toujours entretenu entre la critique littéraire et le monde du théâtre. Tous les grands metteurs en scène français et britanniques furent invités selon l’actualité théâtrale, grâce aux relations établies par Jean-Michel Déprats et en rapport avec les spectacles de l’année: Roger Planchon, Terry Hands, Daniel Mesguich en 1979,  J.P. Vincent, Bernard Sobel en 1980, Stuart Seide en 1981, Patrick Stewart en 1982, Oliver Ford Davies, Philippe Avron en 1983, Gerard Desarthe, en 1989, Luis Pasqual, Brian Cox en 1990, Peter Brook, Cicely Berry en 1991, Georges Banu, François Marthouret en 1992, Michel Etcheverry en 1992, Jorge Lavelli, Serge Noyelle , Ion Omesco en 1993, Michael Attenborough, Stephane Braunschwieg en 1994…

Dans cette époque où, après 1968, la Sorbonne se diversifia en 13 différentes Sorbonnes, la Société restait un lieu d’unité avec un petit noyau des « happy few » qui contribuaient avec passion à mettre en route chaque année un colloque qui réunissait des critiques shakespeariens de très nombreux horizons  (Jean-Pierre Vernant en 1979, Daniel Sibony en 1989, André Green en 1993, Daniel Arasse en 1990, Henri Meschonnic et Keir Elam en 1991) et des hommes de théâtre. Comme le rappelait Wendy Ribeyrol, secrétaire de la Société, il n’y avait pas d’internet à l’époque et le courrier était envoyé dans le monde entier tamponné (un vieux tampon en caoutchouc) au sigle de la Société. Les professeurs n’étaient pas encore accablés de tâches administratives. On se souvient avec émotion du travail accompli par ceux qui sont maintenant disparus : Richard Marienstras, Robert Ellrodt, Jean-Pierre Villquin, Jean-Pierre Maquerlot, Georges Borias, Raymond Gardette, Bernard Tannier.

Citons parmi les fidèles supporters de cet ambitieux projet, Henri Suhamy, Marie-Madeleine Martinet, François Laroque, Dominique Goy-Blanquet,  Gisèle Venet, Yves Peyré, Jean-Michel Déprats, Ann Lecercle, Michèle Willems, Michèle Vignaux, Wendy Ribeyrol, Isabelle Schwarz-Gastine, Marie-Claude Rousseau…

À l’International

Dès 1951, pendant son séjour en Angleterre, Marie-Thérèse Jones-Davies fut invitée au Shakespeare Institute à Stratford-on-Avon où se tenait la célèbre Shakespeare Conference- ce qui lui permit de nouer des liens avec de nombreux spécialistes de Shakespeare qu’elle fera inviter à la SFS, entre autres :Muriel Bradbrook invitée en 1982 « Du texte à la scène, langages du théâtre », J.P. Brockbank en 1983 « Mythe et Histoire », Lois Potter, Russell Jackson en 1989, « Shakespeare et la guerre », Ronnie Mulryne en 1990 « Shakespeare et le corps », Marion Trousdale en 1991, « Rhétoriques du texte et du spectacle », Richard Proudfoot, Terence Hawkes, Stanley Wells en 1992 « Shakespeare et l’Argent », G.K.Hunter, Inga Stina-Ewbank en 1994, « Le Monde Vert » …

En 1975, Marie-Thérèse Jones-Davies fondait la SIRIR – Société Internationale de Recherches Interdisciplinaires sur la Renaissance.  Ce qui caractérisait ces travaux était ce qui l’avait toujours passionnée depuis sa thèse, les rapports entre littérature et société : le prix Albéric Rocheron récompensait la recherche sur le lien entre la littérature d’une époque et le caractère de son temps). Citons parmi les invités de la SIRIR à la SFS, Philippe Contamine en 1989, Robert Muchembled en 1990, Michel Magnien en 1991, Claude Gilbert Dubois, Michel Pastoureau, Gilbert Durand en 1994 – un ami de Henri Fluchère. The wheel had come full circle.

En 1976 Marie-Thérèse Jones-Davies fut élue vice-présidente de l’International Shakespeare Association. Ce fut l’occasion d’échanger avec le président de la Société Shakespeare allemande (fondée à Weimar en 1864), Werner Habicht (président de la Deutsche Shakespeare Gesellchaft West- nom de la Société avant la chute du mur de Berlin), en 1993. Citons aussi Arthur Kinney, Président de la Renaissance English Text Society, (Amherst, Massachussetts), Leanore Lieblein (McGill) en 1982, A.J. Hoenselaars (Université d’Utrecht) en 1993…

Lieux d’édition

C’était la belle époque des publications papier. Dans la première période, l’éditeur Touzot prit en charge chaque année les actes du colloque, puis ce furent pendant la seconde période Les Belles Lettres.

En décidant, 50 ans plus tard, de rendre un hommage aux Générations Shakespeare, la Société Française Shakespeare  « donna un lieu » à Marie-Thérèse Jones-Davies.

Margaret Jones-Davies

 

 

 

 

 

Exposition Christian Lacroix au Centre National du Costume de Scène

Exposition « Christian Lacroix en scène », direction artistique Christian Lacroix. Centre national du costume et de la scène, Moulins, 2025. © Joël Bonnard /Titania

Du 05 avril 2025 au 04 janvier 2026, l’exposition “Christian Lacroix en scène” au Centre National du Costume de Scène de Moulins permet de découvrir de splendides costumes du créateur. Il est ainsi possible de voir 150 costumes, créés entre 2007 et 2024. Si beaucoup de ces créations sont venues magnifier des pièces du répertoire français, Shakespeare n’est pas absent du parcours proposé. On découvre ainsi les costumes de Roméo et de Juliette dans l’opéra Roméo et Juliette de Pascal Dusapin sur un texte d’Olivier Cadiot (Paris, Opéra-Comique, 2008), ou la robe de mariage de Juliette dans l’opéra Roméo et Juliette de Niccolò Antonio Zingarelli (Opéra royal du Château de Versailles, 2023). L’espace permanent « Trésors des Collections » (ouvert depuis février 2025) permet également de découvrir d’autres costumes shakespeariens : robe de Lady Macbeth (mise en scène de Jean-Pierre Vincent et Bernard Chartreux au Festival d’Avignon et à la Comédie Française, 1985), costume pour le rôle d’Edgar en Pauvre Tom (mise en scène de Georges Wilson, Théâtre National Populaire, 1967) ou accessoire de scène pour La Mégère Apprivoisée (mise en scène d’Oskaras Korsunovas, Comédie-Française, 2007). L’exposition, éblouissante, plaira à tous les amateurs de théâtre.

Exposition « Christian Lacroix en scène », direction artistique Christian Lacroix. Centre national du costume et de la scène, Moulins, 2025. © Joël Bonnard /Titania

Méline Dumot, Université Clermont-Auvergne

Penser le politique, avec Julius Caesar

En janvier 2025, il était possible de voir Julius Caesar en anglais au Théâtre National Populaire de Lyon. La pièce, précédemment jouée au Théâtre National de Bretagne (octobre 2024) a ensuite été présentée au théâtre des Gémeaux de Sceaux (mars 2025). La mise en scène de Arthur Nauzyciel a été créée en 2008 en partenariat avec l’American Repertory Theatre. Outre qu’il propose un texte peu joué en France, le spectacle permet d’entendre le texte de Shakespeare en anglais : si la diction un peu saccadée des pentamètres iambiques peut surprendre, elle a le mérite de donner une grande clarté au texte et permet de le comprendre facilement, que l’on soit ou non angliciste.

Le spectacle est intense : d’une durée de 3h20, il met le public face à lui-même, en utilisant comme fond de scène une image immense de gradins de théâtre.

Crédit photo Philippe Chancel

À l’origine, Arthur Nauzyciel souhaitait placer le public sur scène et jouer dans la salle : cette inversion totale des espaces n’a pas été possible. À la place, l’image d’une salle vide est livrée à la contemplation du public, rappelant le Sénat romain et les amphithéâtres antiques, tout en entourant les acteurs de deux parterres, l’un vivant, l’autre fantomatique.

La troupe de treize acteurs (une comédienne et douze comédiens) donne corps à la pièce de Shakespeare et le rythme du spectacle augmente crescendo, tandis que le piège se resserre autour de Brutus et de César. L’assassinat de César est particulièrement marquant, avec une chorégraphie magnifique qui orchestre les coups portés au personnage.

Crédit photo Philippe Chancel

À la toute fin de la première partie, juste avant l’entracte, César, dont le cadavre était resté en scène, se relève, et pousse un hurlement tout en crachant du sang : la scène était impressionnante… en tout cas depuis le premier rang où j’étais assise, juste devant l’acteur, en voyant de près les postillons de faux sang ! Le rouge, intense est présent partout : faux sang, sièges de théâtre, moquette, lumières. Aucune arme n’est nécessaire pour mettre en avant la violence du meurtre de César : ce rouge omniprésent et les 23 coups de poignard saccadés suffisent à exprimer l’horreur de la scène.

Dans cette pièce qui passe son temps à raconter des événements plutôt qu’à les montrer, le risque d’enlisement est toutefois présent, et quelques scènes ont pu manquer un peu de rythme. Les interludes musicaux de jazz permettent cependant des respirations dans cette histoire dense, afin de mieux replonger ensuite dans l’intrigue. Tout est travaillé dans ce spectacle : mouvement des acteurs, diction, lumières et décors. Accessoires, costumes et musique rappellent les États-Unis des années 60, dans une atmosphère parfois douce et feutrée, parfois crue et violente. Des éléments, comme les rangs de fauteuils vides où les immenses portraits de César, jettent le trouble et contrastent la présence des comédiens avec des images évoquant vide, absence, et fantômes. Cette étrangeté invite à la réflexion. Si les sièges vides sont un équivalent du Sénat, la représentation met-elle en scène un désinvestissement collectif du politique ?

Crédit photo Philippe Chancel

La clarté de la mise en scène met particulièrement en valeur la dimension politique de la pièce, qui résonne avec l’actualité, peu importe sa date de représentation. Comme le note Arthur Nauzyciel : « En 2008, nous étions à Boston, berceau des Kennedy, pendant les primaires qui opposaient Barack Obama et Hillary Clinton, au sortir de 8 ans de George W. Bush. En 2017, nous l’avons repris après l’élection de Donald Trump, et en 2024, nous la présenterons à quelques jours de la 47e investiture du nouveau président des États-Unis, qui est à nouveau Donald Trump, un point de bascule, une année décisive pour l’avenir de la plus vieille démocratie au monde et donc de la nôtre »[1]. En effet, le spectacle frappe par sa pertinence et ses correspondances avec le contexte politique actuel. Si le décor des années 60 a été choisi par le metteur en scène pour évoquer l’assassinat de JFK, il me semble que le texte résonne bien au-delà de cet événement historique, et nous interroge profondément sur notre conception du pouvoir.

Pour en apprendre plus sur cette mise en scène, il est possible d’écouter le metteur en scène dans cet entretien passionnant : https://www.youtube.com/watch?v=o2AubCUK_V0

 

Méline Dumot, Université Clermont Auvergne


[1] V. Guédot, « Julius Caesar de Shakespeare au Théâtre National de Bretagne du 9 au 17 janvier 2025 », sur France Inter, 18 décembre 2024 (en ligne : https://www.radiofrance.fr/franceinter/julius-caesar-de-shakespeare-au-theatre-national-de-bretagne-du-9-au-17-janvier-2025-8822000 ; consulté le 21 mars 2025).

 

Entretien avec Marie Dupagne, présidente-fondatrice du festival Shakespeare d’Avril ! à Vincennes

Roméo et Juliette dont l’une des représentations sera donnée en mode d’accueil Relax*, lecture dans le noir de grands monologues féminins suivie d’une dégustation gourmande, suite pour orchestre de William Walton composée pour le Henry V de Laurence Olivier, Peines d’amours perdues, dans la cour du Donjon du Château de Vincennes, rencontres, projections …  Marie Dupagne nous fait découvrir le festival Shakespeare d’Avril ! et sa programmation 2025

Peux-tu m’expliquer comment le festival Shakespeare d’Avril ! de Vincennes est né ?

Après mon départ de l’orchestre baroque pour lequel je travaillais comme chargée de diffusion, j’ai réfléchi à ce que serait la vie d’après et j’ai pensé à Shakespeare. Il m’accompagnait depuis longtemps, depuis que le monologue de Shylock était tombé sur mon cerveau d’adolescente. J’ai soudain eu cette idée et cette envie : faire de la médiation culturelle autour de Shakespeare. J’avais travaillé comme bénévole pour les festivals de Vincennes pendant plus de dix ans et je n’ai pas tardé à avoir envie de créer un festival.  J’ai présenté mon projet à l’élue à la culture. Après un moment de surprise et quelques hésitations, elle m’a donné une chance. C’est ainsi qu’en 2019 j’ai tricoté Shakespeare dans l’existant : un spectacle de la programmation de la ville, une soirée du conservatoire d’art dramatique, un concert de l’orchestre de grands amateurs de Vincennes, une lecture …  Ça a très bien marché et j’ai eu une deuxième chance, pour un vrai festival cette fois. Ce fut à nouveau un grand succès : fréquentation maximale et public enthousiaste.
L’épidémie de Covid a un peu brouillé les cartes mais nous revoilà pour une troisième édition !

Comment vous êtes-vous adaptés au Covid ?

La deuxième édition du festival devait avoir lieu en 2021, à la veille du 600ème anniversaire de la mort d’Henri V au château de Vincennes en 1422. Elle devait mettre en valeur les pièces historiques de Shakespeare. L’épidémie a eu raison de cette édition et nous l’avons remplacée par un week-end thématique de trois jours à Pâques l’année suivante : « 1422-2022, un grand roi shakespearien meurt à Vincennes ». La pièce Henry V était donnée dans la cour du Donjon et dans la Sainte Chapelle par les étudiants de l’École Supérieure de la Marionnette de Charleville Mézière. Une table ronde réunissait dans le Pavillon de la Reine Dominique Goy-Blanquet (que l’on ne présente pas aux lecteurs du Carnet) et Valérie Toureille, commissaire de l’exposition consacrée au 600ème anniversaire du traité de Troyes de 1420. A travers elles deux, le Henry V de Shakespeare rencontrait son homologue historique.  Pour compléter la fête, il y avait aussi un spectacle sur la bataille d’Azincourt, des jeux, un foodcycle et … un temps magnifique !

Nous avons ensuite rattrapé notre rythme biennal en années impaires et créé notre édition de 2023 : toujours une formule variée, un cocktail de spectacles, ateliers, films, concerts, rencontres …

Et nous voici à la veille de notre troisième édition : une quinzaine d’événements distincts sur une vingtaine de dates (certains événements sont donnés plusieurs fois, notamment le concert.) L’idée est d’ouvrir l’univers shakespearien par tous les moyens : films, ateliers, conférences, tables rondes, lecture dans le noir, théâtre amateur, journée scolaire, concerts, pièces resserrées pour des représentations en famille …  

Et comment construis-tu la programmation ? Quels sont tes critères ?

Je m’efforce de voir tous les Shakespeare qui passent en région parisienne et je vais à Avignon où je vois tous les Shakespeare du Off. J’ai ainsi vu le spectacle que l’on donne cette année, Roméo et Juliette de la compagnie Chouchenko, au Lucernaire à Paris puis à Avignon.
Je choisis les spectacles sur deux critères. Le premier est le coût pour des raisons évidentes. Le deuxième est la capacité du spectacle à susciter l’intérêt, voire l’enthousiasme. Mon objectif est de déconstruire l’image que certains peuvent avoir de Shakespeare. Je laisse à d’autres la liberté de programmer des spectacles qui, s’ils suscitent la réflexion, peuvent laisser le public sur le bord du chemin. Nos propositions doivent rendre joyeux et donner envie d’en savoir plus. Je ne programmerai jamais un spectacle qui ne puisse pas être apprécié sans avoir lu la note d’intention du metteur en scène et / ou connaitre la pièce. Je choisis un Shakespeare populaire : un Shakespeare joyeux, qui nous touche, nous fait rire et nous fait réfléchir.

Ce spectacle « cœur de festival » est donné trois fois : une date est achetée par la ville dans le cadre de sa programmation culturelle ; nous achetons deux dates supplémentaires pour le donner une fois lors de la journée scolaire et l’autre en représentation Relax.

Peux-tu m’en dire plus à ce sujet ?

La représentation Relax est un mode d’accueil du public imaginé pour permettre aux personnes dont le handicap peut s’accompagner de comportements atypiques, par exemple des personnes autistes, des personnes polyhandicapées, des personnes vieillissantes, de pouvoir venir voir un spectacle en famille ou avec leurs proches et de ne pas redouter de devoir en partir à la première réaction inattendue.

Pour cela, il faut que l’ensemble du public sache qu’à cette séance les codes sont assouplis, que certaines personnes vont peut-être manifester leurs émotions différemment, que certains vont avoir besoin d’aller faire un tour et revenir et que précisément à cette séance c’est ok !
C’est le concept des relaxed performances qui existent en Angleterre, aux États-Unis et en Grande-Bretagne et que l’association Culture Relax a inventé en France pour le cinéma quelques années plus tôt avant de le transposer en 2020 au spectacle vivant.  La différence est que le modèle français est inclusif alors qu’en Grande-Bretagne et aux États-Unis, les relaxed performances sont encore le plus souvent des séances ou des représentations dédiées où le public est intégralement composé de personnes à besoins spécifiques. Ce n’est pas la philosophie des représentations relax telles qu’elles ont été créées en France et qu’elles se développent maintenant en Suisse en Belgique et ailleurs.

Comment le public est-il informé pour que cette inclusion fonctionne ?

Quand un spectateur achète un billet pour une séance, un concert ou une représentation Relax il reçoit un message : « Vous avez acheté un billet pour une séance relax. Cette séance relax est mise en place parce que certaines personnes sont exclues des loisirs culturels. A cette séance etc. ». Pour autant, tout le monde ne lit pas tout, et quelqu’un vient donc systématiquement faire une petite annonce juste avant le spectacle, précisant le pourquoi et le comment de ces représentations : « Les codes sont assouplis, certains vont manifester leurs émotions et vous serez peut-être surpris … » et comme ils disent au Globe à Londres : « There might be surprises, at the Globe we love surprises, enjoy the show ! ».

L’effet est toujours le même : tous – concernés ou non par le handicap – abordent la représentation le sourire aux lèvres. En outre, comme les craintes et les tensions sont apaisées, il ne se passe finalement pas grand-chose ! Certains spectateurs « ordinaires » s’attendent à des cris ou du tumulte, (il y en a parfois), des crises d’épilepsie, et souvent, ils sont presque déçus parce qu’ils s’étaient préparés à toute éventualité !

Pour ces représentations Relax comment faites-vous pour faire venir un public habituellement exclu des théâtres et du monde culturel ?

Quand on travaille vers les publics, le premier travail est de créer une proposition ciblée. Le deuxième travail, qui est aussi chronophage et difficile, est de faire en sorte que la proposition rencontre les publics pour qui on travaille. C’est extrêmement important parce que l’on commet tous la même erreur de débutant : « Je vais faire une proposition pour les sourds » et … il n’y a pas un sourd dans la salle et on a fait son travail pour les sourds pour rien.

Après cette erreur de débutant, que nous avons commise comme beaucoup de programmateurs, on a pris le taureau par les cornes. J’ai proposé à Catherine Morhange, fondatrice de Culture Relax, de rejoindre l’équipe pour nous apporter son expertise, aussi bien sur la création des propositions que sur le travail vers les publics. Et elle a accepté ! Nous en sommes très heureux et honorés. Nous avons par ailleurs créé une adresse mail dédiée ainsi qu’un onglet accessibilité sur notre site internet. Mi-janvier, nous avons convié 80 personnes du monde de l’accessibilité à une réunion d’information : agents des services sociaux des collectivités locales, salariés de structures d’accueil IME, SESSAD etc et membres d’associations, comme l’association France Alzheimer ou l’association Valentin Haüy. Le compte-rendu de cette réunion avec le lien vers l’onglet accessibilité a été largement diffusé. Ensuite, nous nous assurons que le public pour qui nous travaillons a bien reçu l’information. Souvent, il faut aussi rassurer sur la pertinence de la proposition et de l’accueil prévu (Cela va jusqu’aux possibilités de stationnement !). C’est un très gros travail mais hors de question de ne pas honorer notre sous-titre affiché de « festival drôlement accessible ».

Enfin, nous essayons de nous appliquer cette règle d’or : Si vous le faites pour nous, faites-le avec nous. Nous avons ainsi réuni un groupe d’aveugles pour nous conseiller et travaillons de la même façon vers le public sourd et malentendant.

Peux-tu me parler un peu plus de la programmation de cette édition 2025 du festival ?

Comme tu sais, nous aimons mélanger les genres et les expériences. Il y aura donc du théâtre, du cinéma, de la musique et moult autres propositions pour entrer dans l’univers de Shakespeare.

Peines d’amour perdues sera donnée au Château de Vincennes pendant le week-end de Pâques. Comme la pièce se passe aux alentours d’un château et que les dames n’ont pas le droit d’entrer dans le-dit château, la cour du donjon sera un cadre idéal ! Pour la partie cinéma, on travaille avec les programmateurs de notre cinéma indépendant Le Vincennes, on cherche ce qui est disponible et contrairement à ce que l’on pourrait penser, les options ne sont pas innombrables :  soient les droits sont réservés, soit il n’existe pas de copie ! Cette année se sera donc : Shakespeare in love (John Madden) et West Side Story (Robert Wise), en écho à notre Roméo et Juliette. Pour notre lecture dans le noir, Juliette, Cléopâtre et les autres …, nous mettrons à l’honneur des monologues de femmes. Enfin, il y a un projet assez incroyable porté avec l’orchestre Les Clés d’Euphonia qui interprétera la bande originale du film Henry V de Laurence Olivier (1944) de William Walton. Un récitant anglais lira les passages de la pièce de Shakespeare intercalés dans la suite pour orchestre et la traduction sera projetée simultanément. Enfin, un film américain primé à Sundance, Ghostlight des réalisateurs Kelly O’Sullivan et  Alex Thompson, sera projeté en avant-première en présence  de l’équipe du film.

Et que recommanderais-tu dans cette belle programmation aux lecteurs et lectrices du Carnet Shakespeare ?

Et bien voici ma sélection rien que pour vous !

Le projet Walton sur la musique d’Henri V est une occasion unique d’entendre jouer cette suite pour orchestre, qui plus est avec un récitant anglais. Attention, les places partiront très vite.

L’avant-première du film Ghostlight sera un moment privilégié : c’est un très beau film sur l’adolescence, la parentalité, et la façon dont Shakespeare résonne avec nos existences contemporaines.

La pièce Roméo et Juliette est proposée dans une très jolie mise en scène. Deux des six comédiens sont également musiciens (violoncelle et accordéon) et Juliette, comédienne et danseuse classique nous offre un très émouvant pas de deux avec Roméo. Toute la troupe est formidable. Mon petit conseil serait même de venir à la représentation Relax de l’après-midi pour l’atmosphère.

 Enfin, le week-end Shakespeare au Château de Vincennes permettra d’assister à la représentation en plein air de Peines d’Amours perdues dans la cour du Donjon par les élèves comédiens du Studio JLMB. La cour de Navarre à Vincennes au pied du plus haut donjon d’Europe, qui dit mieux !

Stéphanie Hochet, William, Paris, Payot & Rivages, 2023

Le dernier ouvrage de Stéphanie Hochet plonge dans les sept « années perdues » de la jeunesse de Shakespeare : en 1585, on le connaît comme le fils d’un gantier de Stratford-upon-Avon, qui fonde une famille avec Anne Hathaway, tandis qu’en 1592, c’est un homme de théâtre reconnu à Londres. Entre ces deux dates, on ne sait rien de sa vie et c’est dans ce trou béant que s’engouffre Stéphanie Hochet. L’ouvrage n’est donc pas à proprement parler une biographie, et Hochet ne cache jamais qu’elle laisse libre cours à son imagination. En cela, on se doit de saluer l’honnêteté intellectuelle et l’évidente connaissance de l’Angleterre élisabéthaine de l’autrice, qui a une formation d’angliciste et a écrit un mémoire de maîtrise sur Ben Jonson. 

Hochet imagine donc que le jeune William, qui n’est pas encore « Shakespeare », rejoint la troupe des Queen’s Men à Stratford, en remplaçant un acteur au pied levé, et qu’il les accompagne ensuite jusqu’à Londres. La capitale constitue le point d’arrivée d’un parcours psychologique et social au cours duquel le jeune homme apprend le métier, découvre le monde du théâtre et parcourt une Angleterre brutale, aride et souvent malade de la peste. Hochet joue donc avec des personnages réels, leur imagine un caractère, des désirs, des talents mais aussi des vices et des noirceurs. 

Certains aspects de cet ambitieux projet peuvent néanmoins troubler, voire irriter le lecteur. On a ainsi parfois l’impression que Hochet cède à l’exercice un peu facile qui consiste à combler le vide des années perdues à partir des futures pièces de Shakespeare : ainsi, William courtise Anne en anticipant la scène du balcon de Roméo et Juliette ; la naissance de ses jumeaux, Judith et Hamnet, lui fait déjà imaginer La nuit des rois ; le petit Hamnet a peur des fantômes ; William croit entendre le murmure d’une sorcière qui lui révèle son avenir et il hésite à l’écouter… Le phénomène est un peu inévitable lorsque l’on écrit une biographie d’écrivain, même romancée, mais il en ressort un sentiment d’artificialité. 

Ce sentiment est renforcé par le choix d’écriture principal de Hochet pour William. En effet, ce roman qui affirme ne pas être une véritable biographie de Shakespeare, constitue, en réalité, une autobiographie de Hochet elle-même. L’autrice ne s’en cache pas, elle voit des similitudes entre le parcours de Shakespeare et le sien, notamment dans leur goût pour la fugue loin de la famille de sang. On a donc parfois l’impression que Hochet cherche surtout à régler ses comptes avec un passé familial indubitablement traumatisant, dont elle se libère par le biais de l’écriture romanesque et du filtre shakespearien. Dès lors, Shakespeare devient un prétexte : le personnage de William ne vaut pas pour lui-même, mais uniquement pour ce qu’il permet à Hochet d’exorciser de sa propre histoire. Comme Hochet le dit dans une interview à France Culture, elle a « tiré [Shakespeare] à [elle] »1 : parfois à tel point que William devient un peu trop Stéphanie

Béatrice Chaix Rouchon (Sorbonne Université)

  1. « L’écrivaine Stéphanie Hochet raconte les années perdues de William Shakespeare », France Culture, 24 décembre 2023, https://www.youtube.com/watch?v=ZArXvHYQpYU&t=1328s ↩︎