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Université d’été virtuelle “Écrits et écritures de la période moderne : identifier, comprendre et exploiter les manuscrits”

Du 12 juin 2023 au 15 juin 2023 aura lieu la première édition de l’université d’été virtuelle “Écrits et écritures de la période moderne : identifier, comprendre et exploiter les manuscrits”, consacrée aux manuscrits anglophones de la première modernité.

Cette université d’été s’adresse à un public large (étudiant.e.s, masterant.e.s, doctorant.e.s, jeunes chercheur.euse.s, et enseignant.e.s) et se propose d’explorer quatre grandes thématiques: les écrits religieux, les correspondances, les manuscrits à l’ère du numérique, et les éditions.

Chaque matinée de formation sera dédiée aux interventions d’universitaires et de professionnels internationaux. L’après-midi auront lieu des ateliers de paléographie.

Attention, les inscriptions prennent fin le 15 mai 2023.

Programme complet et inscriptions sur: https://britaix.hypotheses.org/2751

GLOUCESTER TIME, Matériau Shakespeare-RICHARD III, théâtre national de l’Archipel à Perpignan

La pièce GLOUCESTER TIME, Matériau Shakespeare-RICHARD III, une nouvelle version du chef-d’œuvre Richard III de Shakespeare, jouée par deux fois consécutives les 7 et 8 mars derniers au théâtre perpignanais, présentait une reprise de la mise en scène de Matthias Langhoff de 1995 par Frédérique Loliée et Marcial Di Fonzo Bo. Le rideau s’est ouvert sur un décor composé d’un plateau mouvant de planches soutenu par une mécanique complexe qui permettait à certains endroits de la scène de surélever ou au contraire d’abaisser les personnages et les décors en fonction de l’évolution de l’intrigue. Ce plateau se présente comme une machine de guerre, mettant en exergue la nature belliqueuse du personnage éponyme et donnant immédiatement le ton au spectateur béotien. Les personnages s’y meuvent en prenant des risques, ce qui exige pour les acteurs une certaine agilité physique, doublée d’une aptitude à se repérer dans cet environnement périlleux tout en déclamant leur texte et interprétant leurs rôles comme il se doit (ce qui est un véritable exploit). Devant le plateau est installé un rail de chemin de fer déposé sur un lit de cailloux, afin de symboliser l’inhumanité de ce monde sur lequel Richard veut régner à coup de meurtres cruels. Les acteurs donnent beaucoup d’eux-mêmes dans ce décor qui se veut mécanique et technologique et se l’approprient dès le début de la pièce en réalisant quelques acrobaties et en arpentant vigoureusement les planches de la machine de guerre jusqu’à la fin de la représentation. Ce monde représenté par Mathias Langhoff est grouillant de vie, mais aussi d’intrigues. La présence du péril physique est ancrée chez le spectateur grâce à l’architecture du décor et lui fait comprendre implicitement que la mort rôde dans la pièce. Dès l’acte I, les personnages apparaissent en costumes d’époque agrémentés d’accessoires modernes simples, et Richard, campé par Marcial Di Fonzo Bo, adopte une tessiture de voix éraillée qui sonne comme une voix d’outre-tombe. Ainsi, l’aspect difforme et monstrueux de Richard se ressent-il plutôt dans le ton que dans le physique ou les costumes de l’acteur, le plaçant immédiatement dans une dimension plus fantomatique et obscure que les autres personnages aux voix claires et puissantes. Le texte de Shakespeare jaillit des gorges des acteurs jusqu’à l’acte IV de la pièce, dans lequel Mathias Langhoff a jugé opportun d’inclure le rapport d’un reporter américain présent en Irak, au moment du récit de la bataille de Bosworth qui voit la chute de Richard et sa mort. L’originalité de la pièce réside dans cette incongruité décalée qui mêle époque moderne et époque élisabéthaine, pour mieux permettre au spectateur d’imaginer l’atrocité des combats. Le jeu de l’acteur Marcial Di Fonzo Bo a pour but, lui, de permettre un rapprochement entre son personnage et le public. Richard descend de la scène pour grimper sur le dossier des sièges sur lesquels sont assis les spectateurs, plaçant le public au centre de l’action tout en donnant la réplique à un autre acteur présent également dans le parterre. En ce sens, Marcial Di Fonzo Bo resserre le lien entre le public moderne et le public élisabéthain au sein duquel se mouvaient les acteurs. Isabel Aimé Gonzalez Sola incarne une Lady Anne très crédible et touchante, mais la kyrielle de personnages jouée par les différents acteurs peut mener à certaines incompréhensions si l’on ne suit pas la pièce avec attention. Plus qu’une volonté de mettre en valeur le texte shakespearien, Mathias Langhoff met en valeur la machinerie théâtrale, afin qu’elle puisse attirer l’œil et accaparer l’esprit du spectateur. La technique théâtrale est à l’honneur, n’hésitant pas à glisser des éléments hétéroclites comme la présence d’une pom-pom girl, incarnée elle aussi par Isabel Aimé Gonzalez Sola, et un caméraman, incarné par David Marain qui se transforme aussi en roi Henry VI, en garde pénitencier et en citoyen. Complexe, mais pleine de créativité et d’inventivité, la pièce est en fait un chef d’œuvre moderne construit à partir du matériau de Shakespeare, comme l’indique le titre, et n’hésite pas à jouer sur le ressort de l’anachronisme pour aider les spectateurs à réfléchir sur l’imperfection du monde. Ainsi, Mathias Langhoff nous met en main l’arme du théâtre pour abattre le monde rempli de vicissitudes, mais il nous offre le jeu original de ses acteurs en guise de réparation et de rédemption.

Sophie Doulut, Université de Perpignan Via Domitia, mai 2023

Othello, au Théâtre de l’Archipel, Perpignan, les mercredi 15 et jeudi 16 février 2023

La Compagnie Italienne avec Orchestre, créée le 15 novembre 2022 au Quai CDN-Angers Pays de la Loire, a proposé deux représentations très réussies de la pièce Othello de Shakespeare au public perpignanais en ce mois de février 2023. La scénographie de Jean-François Sivadier, récipiendaire du Grand Prix de Théâtre de l’Académie Française 2022 pour l’ensemble de son œuvre dramatique, et connu pour la création de Sentinelles en novembre 2022, a choisi des décors épurés et minimalistes en accord avec la volonté originelle de Shakespeare de laisser libre cours à l’imagination du spectateur. Nous sommes donc transportés à Venise au gré de la traduction française de Jean-Michel Déprats, sachant que la pièce originale a paru en 1604, un an après la disparition de la reine Elisabeth Ière, entraînant par l’ascension au trône de James Ier la destruction du règne des Tudor en Angleterre. Et c’est bien cette notion de destruction de l’Angleterre désenchantée de l’époque que Shakespeare donne à voir dans la volonté d’Othello qui s’exclame : « Oh, blood, blood, blood! », en écho au meurtre de Claudius dans Hamlet. Ici, loin du surnaturel de l’histoire de Macbeth, et loin des figures historiques d’Henry V, Jules César, ou encore Antoine et Cléopâtre, qui peuplent les pièces éponymes de Shakespeare, cette tragédie se concentre sur un drame conjugal, tristement banal, autrement nommé crime passionnel, de nature à figurer dans les faits divers, si le génie de Shakespeare n’avait point donné à voir les mécanismes sous-jacents du sentiment de la jalousie habilement attisé par le personnage Iago. Le rôle du Maure colle littéralement à la peau d’Adama Diop, qui, de par son physique viril et sa voix puissante, donne beaucoup de crédibilité au personnage décrié pour sa sensualité sauvage (« la bête à deux dos ») dès le début de la pièce. La prestation de l’acteur, charismatique et très crédible dans ce rôle, est, sans nul doute, l’un des aspects majeurs les plus réussis de cette performance théâtrale, avec le jeu des postiches capillaires qui indiquent bien, selon leur longueur, la splendeur ou la misère du personnage, dont la « poitrine noire comme la suie » déplaît à Brabantio, incarné par l’acteur Cyril Bothorel. Le jeu de Nicolas Bouchaud est beaucoup plus axé sur la perfidie du personnage qu’il représente et n’est (volontairement) pas doté de l’aura rayonnante d’Adama Diop, ce qui forme entre les deux personnages un contraste fort et met l’accent sur la passion jalouse envers Othello qui anime intérieurement Iago. La diction monocorde de Nicolas Bouchaud exprime à merveille la personnalité sans éclat de Iago et met en valeur celle d’Othello. La raideur physique de Nicolas Bouchaud (Iago) contraste avec l’agilité corporelle d’Adama Diop (Othello), qui se meut sur scène avec majesté. Emilie Lehuraux campe de son côté une Desdémone très crédible, poussant sa naïveté à l’extrême, dévoilant ainsi la nature angélique du personnage shakespearien, ce qui rend, bien évidemment, sa fin d’autant plus odieuse pour le spectateur. Vêtue d’une simple robe qui voile sa silhouette, l’actrice se fond ainsi dans la mise en scène de Jean-François Sivadier, qui utilise draps et rideaux en guise de décor, symbolisant ainsi l’épiphanie finale de la pièce. Les rideaux font écho à la transparence et à la pureté absolue de l’âme du personnage de Desdémone et symbolisent le linceul dont elle sera enveloppée à la fin de la pièce. La disparition, puis la récurrence de la disparition du mouchoir offert par Othello, lui donne de plus une pureté biblique ainsi que l’allure d’une sainte outragée. L’originalité de la mise en scène repose également sur l’acteur Adama Diop, qui n’hésite pas à se travestir d’un drap blanc et à interpeller les autres acteurs sur scène alors qu’il s’est confortablement installé au premier rang du parterre. Loin de trahir la tragédie de Shakespeare, ce procédé permet aux spectateurs de retrouver un lien de proximité physique,  tel que Shakespeare le mettait en scène au théâtre du Globe, et l’effet de surprise et de comique suscite une attention plus accrue des spectateurs au texte shakespearien. Le Doge de Venise et Emilia, joués par la même actrice, symbolisent la transgression du genre, remettant en question les traditions scéniques élisabéthaines tout en donnant une touche moderne, qui aborde subtilement les préoccupations de notre société contemporaine sur la place des femmes, des genres et la question de la race. Concernant les rôles mineurs, il faut compter sur l’habileté de l‘acteur Cyril Bothorel qui assume seul ceux de Brabantio, Montano et Lodovico, utilisant des accessoires qui permettent aux spectateurs de les identifier facilement. Quant à Gulliver Hecq (Roderigo) et Cassio (Stephen Butel), la performance est réussie quoiqu’exagérée par moments et demanderait encore à être affinée, tout comme celle de Jisca Kalvanda (Le Doge de Venise, Emilia), dont la diction n’est pas toujours suffisamment audible pour le spectateur. Ceci étant, je recommande fortement le spectacle de cette compagnie qui, pendant trois heures trente, nous transporte grâce au duo Nicolas Bouchaud (Iago) et Adama Diop (Othello) et nous laisse incontestablement sous le charme de la Desdémone ingénue d’Emilie Lehuraux.

Sophie Doulut, Université de Perpignan Via Domitia, mai 2023