Mois : juin 2023

Festival Shakespeare Nights, Château d’Hardelot, Théâtre élisabéthain

Le festival « Shakespeare Nights », au château d’Hardelot (Nord-Pas-de-Calais), a proposé en mai deux spectacles en lien avec Hamlet. Le premier, Dis Horatio, est une réécriture de la pièce, l’autre, Hamlet, une mise en scène peu ordinaire au rythme dynamique.

Dis Horatio (14 mai 2023) est un spectacle accessible à partir de 7 ans, porté sur scène par deux acteurs. L’un des personnages, Horatio, est le seul survivant de la tragédie de Shakespeare, et effectue la mission confiée par Hamlet : raconter l’histoire de ce dernier. Les deux acteurs entrent sur scène par le public, chargés de leur sac-à-dos : « 400 ans qu’on marche depuis Elseneur » expliquent-ils. Le spectacle, d’une durée d’une heure, raconte l’histoire de Hamlet tout en rejouant certains grands moments de la pièce et certaines répliques les plus connues. Les deux acteurs utilisent un système simple de chaises et de manteaux colorés pour représenter et incarner les différents personnages de la pièce. Le moment le plus marquant à mes yeux est une fantastique séance de mime, où l’un des acteurs rejoue l’épisode de la souricière sans qu’aucun mot ne soit prononcé. A la fin de la pièce, Horatio nous invite à nous souvenir de Hamlet, réalisant ainsi la dernière volonté du personnage. Ce spectacle propose une excellente vulgarisation de la pièce et une première approche accessible, idéale pour des publics scolaires ou peu familiers du théâtre de Shakespeare.

La semaine suivante (19 mai 2023), Hamlet par la Compagnie Vol Plané (mise en scène Alexis Moati) était au programme du festival. Pour celles et ceux qui ont pu assister à Dis Horatio, un certain effet de continuité était créé, et le spectacle précédent fonctionnait comme une porte d’entrée dans la pièce de Shakespeare. La compagnie propose pour sa pièce une mise en scène en quadri frontal. Au lieu d’utiliser la scène du théâtre, une bâche noire rectangulaire est installée au milieu du parterre, espace scénique autour duquel des bancs sont disposés. Les spectateurs sont ainsi au cœur de l’action, avec une sensation d’intimité et de proximité très forte. Cet effet est renforcé par la distribution de petits drapeaux (une nationalité différente pour chaque côté du rectangle) que le public est sensé agiter en entendant le nom du pays représenté (Danemark, Norvège, France et Angleterre). Ce simple effet ajoute de petites touches d’humour à la pièce et rend le public d’autant plus attentif et actif. La pièce demande par ailleurs une certaine concentration, car les acteurs changent très fréquemment de rôle, incarnant tour à tour Hamlet, Ophélie, Claudius, Gertrude etc… La lecture des didascalies à voix haute permet toutefois de ne pas s’y perdre et d’apprécier la capacité des acteurs et actrices à passer d’un personnage à un autre. Au cours de la pièce, le rectangle noir vierge se couvre petit à petit de terre (un sac rempli de terre représente en effet la tombe du père de Hamlet, puis celle d’Ophélie) et de miettes (au début des deux premiers actes, les acteurs utilisent une galette des rois pour un tirage au sort truqué, afin de déterminer qui incarnera Claudius). Cet « émiettement » renforce l’image d’un royaume qui s’effrite et accentue le chaos progressif qui s’empare de l’histoire et de la scène. Le spectacle combine avec efficacité l’humour et l’émotion, notamment grâce au personnage d’Ophélie (incarnée par Clémentine Vignais), qui s’époumone en chantant des titres contemporains tels que Papaoutai de Stromae. Le dernier souffle de Hamlet à Horatio permet de fermer parfaitement la boucle ouverte par Dis Horatio après une heure quarante-cinq de représentation menée sans aucun temps mort.

Méline Dumot, Université Clermont-Auvergne

C’est un défi de taille que s’est lancé Irina Brook dans le cadre du festival Shakespeare Nights dans le théâtre élisabéthain du château d’Hardelot (Condette, Nord-Pas-de-Calais) : monter Le Roi Lear en quatre jours. Avec six acteurs et actrices, sa compagnie propose une version de la pièce d’une heure quarante. Les artistes ont leur texte en main, mais on oublie vite ce détail face à leur jeu dynamique. Les spectateurs et spectatrices, éclairés tout comme les acteurs dans ce magnifique théâtre élisabéthain en bois, sont témoins de ce moment de mise en espace, ou l’improvisation se mêle à la mise en scène. On sent la complicité des artistes, qui ont tous et toutes déjà travaillé avec Irina Brook précédemment, sans pour autant avoir travaillé ensemble. Cette complicité porte une version accélérée de la pièce, caractérisée par un certain dénuement : pas vraiment de décor, mais le fond de scène est ouvert. Derrière les deux portes ouvertes de la « tiring house » on voit un portant couvert de costumes aux couleurs éclatantes. Cette ouverture sur le monde des coulisses illustre bien l’objectif de la mise en scène : montrer un travail en cours, où on perçoit les articulations de la pièce, sans prétention… un théâtre sans artifice, en train de se créer et de prendre forme. L’esthétique bricolée de cette pièce montée à toute vitesse est justement source de plaisir : quand le roi Lear, par exemple, traverse la scène en pleine tempête, empêtré dans des tissus blancs que les acteurs font virevolter derrière lui, on rit et on s’émeut de l’image à la fois poétique et ridicule qui est créée.

Dans ce One Shot Shakespeare, Irina Brook fait se rencontrer deux mondes : celui du texte shakespearien, et celui des années 1970, avec musique disco et costumes à paillettes. Au début de la pièce, le Roi Lear entre donc en musique sur scène, et les acteurs invitent le public à se lever pour le roi. Les spectateurs deviennent membres de la cour, et le début de la pièce multiplie les moments d’interaction et d’humour. Ces passages légers rendent le texte plus accessible, un aspect important du travail d’Irina Brook. Lors du partage du royaume, Cordelia, plutôt que de répondre à son père, se met à danser sur la musique « We are Family », avant d’être interrompue par un des acteurs : « malheureusement, ça ne s’est pas du tout passé comme ça ». Par la suite, les acteurs brisent plusieurs fois le quatrième mur en précisant certains éléments au public ou avec des ajouts humoristiques faits au texte. La pièce prend progressivement un ton plus sérieux, et plonge dans la tragédie. Toutefois, l’accumulation des morts finale nous fait plus rire que pleurer, et la pièce se termine d’ailleurs en danse et en musique. Cette lecture mise en espace pose ainsi la question de la force du texte et de sa difficulté à nous émouvoir lors de son dénouement, malgré notre sympathie pour ses personnages.

Méline Dumot, Université Clermont-Auvergne

Falstaff, Comédie Lyrique de Giuseppe Verdi, sur un livret d’Arrigo Boito. Direction musicale, Antonello Allemandi. Mise en scène Denis Podalydès. Mardi 16 mai, 20h, jusqu’au 24 mai, à l’Opéra de Lille.

C’est dans un lieu magnifique, l’Opéra de Lille, que se joue la comédie de Giuseppe Verdi mettant en scène le plus célèbre et le plus truculent des bouffons de Shakespeare, Falstaff, le seul personnage shakespearien qui traversera plusieurs de ses pièces jusqu’à sa mort annoncée dans Henry V, qui se métamorphosera de personnage secondaire dans Henry IV à personnage principal dans les Joyeuses Commères de Windsor et qui incarnera le mieux le mélange des genres si propre au dramaturge. Ce personnage tout en complexité, représenté à travers l’enfle de son corps et de sa verve, est saisi et joué à merveille par Tassis Christoyannis dans la mise en scène de Denis Podalydès. Dans un hospice aux grandes fenêtres closes, tantôt asile pour les fous, tantôt repaire d’une bande de joyeux lurons qui flirtent avec les infirmières, Falstaff (Tassis Christoyannis) apparait sur un lit d’hôpital dans une chemise, perfusé au vin rouge aux côtés de ses acolytes Bardolfo (Loïc Félix) et Pistola (Damien Pass). Dans un décor où le gris et le blanc dominent dans la première partie du spectacle, Falstaff ne tarde pas à revêtir un peignoir en velours rouge qui vient renforcer et souligner sa grandiloquence et son obésité, usant de sa verve pour échafauder un plan : celui de séduire Alice Ford (Gabrielle Philiponet) et Meg Page (Julie Robard-Gendre), deux commères fortunées de Windsor, mariées à des bourgeois, et qui lui permettraient de régler ses dettes.

Puis tout devient jeux de voile. Les jeux se passent au travers de tentures, tantôt voilages blancs suspendus au plafond qui miment la boursouflure de la bedaine du personnage principal, tantôt linge que les infirmières repassent, tendu sur une corde tel un rideau, que Falstaff soulève pour faire son apparition dans la scène où il tente de courtiser Alice Ford.  Là, le choix de la mise en scène est de poids – deux tables sont surmontées d’une troisième table, elle-même surmontée d’une chaise sur laquelle Alice est assise, les cheveux dénoués, la robe déboutonnée pour laisser entrevoir son décolleté, véritable objet de désir inaccessible, au sens littéral du terme. Et notre anti-héros, trop gros pour se déplacer avec habileté et dextérité, peine doublement à escalader cette pyramide pour l’atteindre, créant un effet comique, mais également pathétique et presque tragique, caractéristique propre des bouffons et des clowns de Shakespeare, d’abord sans réel intérêt pour l’action, puis servant à révéler la plus profonde noirceur de l’être le plus noble qui puisse exister. C’est aussi et toujours ce linge qui plus tard sera jeté dans une malle dans laquelle Falstaff se cachera pour échapper au mari venu découvrir la supercherie. Enroulé dans cette boule de linge, par l’illusion théâtrale et par un système de poulie, il sera soulevé à plusieurs mètres du sol, fera une vulgaire chute, pour être ensuite poussé à coups de pieds, par une trappe dans la scène, pour finalement tomber dans l’eau poisseuse de la Tamise. Le linge se fait ici linceul désacralisé et ridicule, roulé grossièrement en boule, redoublant ainsi la rondeur de Falstaff qui échappe de peu à la noyade et à une mort certaine, mais qui n’échappe pas à l’humiliation.  C’est enfin le voile qui dissimule Nanetta (Clara Guillon) pour permettre son mariage en secret à Fenton (Kevin Amiel) à la fin de la pièce. 

La mascarade nocturne prend place et le second tableau, après l’entracte, se teinte de nuances vertes et bleutées. Elfes, nymphes et sylphes vêtus de vert et de bleu peuplent le théâtre et amène Falstaff à se cacher sur le devant de la scène, laissant dépasser son postérieur aux vergetures apparentes de sa chemise d’hôpital, démonstration physique comique, mais également humiliante. Mrs Quickly (Silvia Beltrami), seule habillée de rouge, procède avec l’aide de ses compagnons à l’éviscération de Falstaff, et, au moment l’éventration, sortent de ce rêve et de son ventre bedonnant une multitude de livres, parmi lesquels se trouve ‘Oh, Shakespeare !’, clin d’œil subtil mais net au créateur originel de cette fantaisie fantasmagorique.  

Falstaff est alors vêtu d’ocre et de blanc et se promène sur la scène avec un énorme ballon illuminé tel un globe terrestre retenu par une corde et qui semble sur le point de l’emporter dans les airs, devenu plus léger, ainsi débarrassé de sa corpulente carcasse. Il entonne à plusieurs reprises ‘L’homme est une farce. Ils sont tous dupés’ qui vient finalement clore la pièce quand les comédiens reprennent leurs vêtements aux couleurs pâles, blanc, ocre et gris clair.   

Très justement, et pour reprendre les termes d’Orson Welles, Denis Podalydès et Antonello Allemandi ont su capturer l’essence de Falstaff, personnage essentiellement shakespearien qui est cet homme ‘bigger than life’ : ‘Rien ne le limite ni ne le contient, lui-même ne se limite ni ne se contient, rien ne peut embrasser sa circonférence, qui est aussi son talon d’Achille, si l’on peut dire. La panse est à la fois signe de générosité et de faiblesse, de puissance et de maladie : sa vérité, sa grandeur, sa singularité, sa servitude et sa douleur. C’est le creuset de toutes les contradictions du caractère : l’excès boulimique et la mesure spirituelle, la rotondité et la pointe, le verbe ciselé et la masse protubérante. La grâce et la graisse, l’art et le lard.’ (Denis Podalydès, metteur en scène)  

Clémence Lescoutre, Sorbonne-Nouvelle.

Festival Shakespeare Nights, Château d’Hardelot, Théâtre élisabéthain, 1 rue de la Source, Condette, Pas-de-Calais.

Les deux gentilshommes de Vérone, de William Shakespeare, mise en scène de Maud Buquet Kandinsky avec la troupe de la Pépinière du Nouveau Monde, 6 mai 2023, Château d’Hardelot, Théâtre Elisabéthain, 1 rue de la Source, Condette, Pas-de-Calais (Prochaine représentation au Théâtre Luxembourg de Meaux, le 19 octobre 2023).  

C’est dans un magnifique écrin de verdure, au sein du Théâtre Elisabéthain que la pièce de Shakespeare, Les Deux Gentilshommes de Vérone, l’une de ses premières pièces et comédies, fut sortie de l’oubli et mise à l’honneur, ouvrant ainsi le Festival des Shakespeare Nights qui se déroula tout au long du mois de mai sur le site du Château d’Hardelot.

Le décor est simple et épuré. Seuls des poteaux blancs suspendus et tenus par des câbles, disposés çà et là sur la scène, permettent aux acteurs – Valentin (Yann Chermat) et le Duc de Milan (Christian Gazeau), Lance (Quentin Ballif) et Protée (Alexandre Riedel), les deux compères Lance et Diligence (David Antoniotti) – de jouer à cache-cache ou représentent les arbres de la forêt dans laquelle les brigands (Christian Sénat, Adrien Calvary) assaillent Valentin de toute part pour en faire leur chef lorsqu’il fuit de Milan à Mantoue après avoir été banni par le Duc et père de Silvia, sa bienaimée. Les personnages sont tous habillés de costumes d’époque au tissu moiré de soie et blanc, couleur dominante du spectacle, à l’exception de Silvia, l’objet d’amour et de désir de la pièce, vêtue de rouge des pieds à la tête (collants, escarpins, robe et perruque) et de Sir Eglamour, dans le rôle du protecteur et sauveur de Silvia, qui porte une étoffe luxueuse dorée.

Le travestissement et truchement des identités si chers à la comédie sont ici mis à l’honneur et particulièrement exploités dans cette mise en scène. Lucette (Emma Ceya) métamorphose Julia (Adèle Esseger) sous les yeux du public en transformant sa robe de nuit en costume de jeune page. Puis, c’est Silvia, plus tard, qui devinant qu’elle a affaire à Julia, lui prête sa cape blanche pour lui faire une robe pendant que Julia essaie de justifier son déguisement en mentionnant la méta-théâtralité de la pièce en faisant référence au ‘boy actor’.

L’esthétique minimaliste et efficace de la pièce laisse toute la place au jeu des comédiens et c’est notamment Yann Chermat qui joue Valentin qui retient mon attention. Il a su incarner à merveille le caractère versatile et le pouvoir comique et romanesque de Valentin, véritable acteur-caméléon de la pièce. Ses rôles sont pluriels et complexes : tout d’abord, il joue le rôle du raisonnable étudiant qui part à Milan dans le but de poursuivre et parfaire ses études, et du détracteur de Protée, l’amoureux transi au début de la pièce, pour ensuite en endosser le rôle lorsque le coup de foudre le frappe à son tour. Puis, il incarne le poète qui joue l’amoureux transi, à qui Silvia commande une lettre d’amour. Il est aussi le maître surpassé par l’esprit plus subtil de son servant-clown Diligence dans la compréhension des mécanismes du cœur de Silvia, puis, la victime craignant pour sa vie, effrayé par des vagabonds, devenant par la suite leur chef par le biais d’un subterfuge. Enfin, il est tout à la fois, celui qui tue Protée dans une version fantasmée et imaginaire et celui qui pardonne Protée et panse les plaies de Julia dans l’ultime dénouement de la pièce. Il est bel et bien ici le fou, l’amoureux et le poète du Songe d’une Nuit d’Eté avant l’heure.    

Si la pièce apparaît comme un divertissement drôle et léger à la fois, dans lequel on est vite happé, quelque chose de plus profond et de plus noir se joue déjà. La manipulation de Protée contre Valentin est portée à son point culminant lorsque Protée est confondu face à Valentin alors qu’il s’apprête à forcer sa personne sur Silvia. En effet, la metteure en scène fait le choix de nous offrir dans un premier temps une fin alternative où Valentin, n’acceptant pas les remords de culpabilité et de honte de Protée, le tue et nous donne à voir tout le potentiel tragique de la pièce, se rapprochant ainsi de Roméo et Juliette ou encore d’Othello. Puis, par la magie dramatique, revenant à la vie, Protée prononce à nouveau la même réplique et c’est dans un second temps que Valentin accepte ses excuses et lui offre Silvia en gage de son amitié éternel.  Tout est bien qui finit bien.

Le tout est très joliment agrémenté d’interludes musicaux, véritables performances réalisées par deux chanteuses de l’Opéra de Paris, Marie-Cécile Chevassus et Pranvera Lehnert Ciko, pendant les épisodes du bal organisé par le duc de Milan et de la sérénade, mise en scène par Protée pour le compte de Sir Turio, et créent cette douce atmosphère teintée de drôlerie et de légèreté.

La Pépinière des Nouveaux Mondes, Collectif d’Artistes solidaires et créatifs.

Collectif de plus de quatre-vingt comédiens, danseurs, metteurs en scène, réalisateurs, La Pépinière est un concept unique en France, par son fonctionnement participatif et son engagement écologique. La Pépinière est créée en 2019 par Maud Buquet Kandinsky qui invente ce concept de troupe participative. Il s’agit d’un lieu pilote en France qui favorise, en mutualisant les savoirs, le développement de la création théâtrale et audiovisuelle et permet l’entraînement permanent d’une troupe de 80 acteurs, danseurs, chanteurs.

Clémence Lescoutre, Paris Sorbonne-Nouvelle.