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Un Roméo et Juliette passionné, tout en danse et en musique pour « Shakespeare d’Avril ! »

Roméo et Juliette, mise en scène de Manon Montel, Compagnie Chouchenko, le mercredi 9 avril à l’auditorium Jean-Pierre Miquel, Vincennes, Cœur de Ville.

Le mercredi 9 avril, la Compagnie Chouchenko a donné sa 200e représentation de Roméo et Juliette de William Shakespeare à l’auditorium Jean-Pierre Miquel de Vincennes dans le cadre du festival Shakespeare d’Avril. La compagnie propose un Roméo et Juliette certes raccourci, mais d’autant plus intense. En effet, la pièce dure une heure trente, et l’on ne rencontre quasiment que les deux amoureux (Manon Montel joue le rôle de Juliette et Thomas Willaime celui de Roméo), la Nourrice (Claire Faurot), Frère Laurent (Xavier Berlioz ou Alain Guillo), Mercutio (Léo Paget) et Tybalt (Jean-Baptiste des Boscs). On salue la prouesse des six comédien.ne.s, qui donnent vie à une traduction adroite du texte de Shakespeare dans un décor épuré qui change à peine au cours de la pièce. L’autel, par exemple, reste au centre de la scène comme pour symboliser l’union des deux amoureux, mais également pour préfigurer leur fin tragique, car c’est sur celui-ci que gît Roméo dès l’ouverture proleptique de la pièce.

Manon Montel distord en effet le temps par le biais de prolepses et d’analepses, si bien que l’action se déroule parfois sur deux temporalités distinctes : les personnages jouent d’abord la scène à vitesse normale, ce qui nous permet d’apprécier la justesse de leurs dialogues, puis ils la rejouent en mettant à l’honneur l’action, qui se déroule alors en détails sous nos yeux. C’est par exemple le cas dans la scène de combat qui oppose Mercutio à Tybalt, puis Tybalt à un Roméo incapable de rester de marbre face à la mort de son ami. Ce procédé ingénieux permet à la fois de mettre à l’honneur le texte, rendant l’intrigue particulièrement intelligible, tout en faisant la part belle au spectacle. On souligne à ce titre les qualités de danseur.euse.s des comédien.ne.s, mises à l’épreuve non seulement dans ces duels chorégraphiés, mais également lors de la scène du bal au début de la pièce, dont le pendant est la poignante valse funèbre des deux amoureux lors de la scène finale. Une fois les personnages de Tybalt et Mercutio morts, leurs acteurs respectifs, Jean-Baptiste des Boscs et Léo Paget, continuent à hanter les planches en se faisant le chœur musical de l’action à l’aide de leur violoncelle et de leur guitare, accompagnés de l’accordéon de Claire Faurot. Cet accompagnement musical est une réelle valeur ajoutée à ce spectacle captivant.

C’est un donc un Roméo et Juliette énergique, enthousiasmant et accessible que nous propose la Compagnie Chenchenko ; accessible, comme le reste du festival Shakespeare d’Avril, qui propose des rencontres, concerts, et autres événements autour du dramaturge jusqu’au 21 avril ! (voir la programmation ici).

Johann Paccou, Université Sorbonne Nouvelle

Cinq actrices pour Macbeth

Dans la soirée du 10 avril 2025, le Théâtre Antoine Vitez d’Ivry-sur-Seine a accueilli Macbeth, mis en scène par Julien Kosellek d’après une traduction de Jean-Michel Déprats, un spectacle d’une grande virtuosité porté par cinq comédiennes de l’ensemble théâtral Estrarre (Laura Clauzel, Ayana Fuentes Uno, Viktoria Kozlova, Sophie Mourousi et Tatiana Spivakova). 

Par son élasticité générique (mentionnons en particulier la scène du Portier, interprété par Tatiana Spivakova, qui a séduit la salle et prouvé que l’humour de Shakespeare opérait encore en 2025) et son engagement des sens, la mise en scène a conquis le public, réunissant habitués du théâtre et lycéens. La distribution réduite, seulement cinq actrices pour une quinzaine de rôles, a su faire de cet obstacle un atout. Bien que certains rôles fussent tenus par une comédienne attitrée, comme celui de Macbeth (Viktoria Kozlova) et Lady Macbeth (Laura Clauzel), la troupe n’a eu de cesse d’interpréter plusieurs personnages à la fois au cours des mêmes scènes. Des dialogues entiers étaient parfois joués par une seule et même actrice, installant un climat schizophrène, entre grotesque et démence. Ces phénomènes de dédoublement, voire de triplement, se font de plus en plus inquiétants, comme si la folie avait saisi les personnages depuis leur entrée en scène. 

La mise en scène des sorcières et des apparitions fantomatiques s’est révélée particulièrement efficace et créative. Flirtant avec l’horreur, à travers le port des masques et les scènes de dévoration d’enfants, le succès de ces scènes, comme de la pièce en général, tient beaucoup de son traitement du son. Les comédiennes ont su mettre à profit leur multilinguisme – murmures, cris et effets de dubbing en japonais ou en russe – ainsi que leurs talents musicaux: déformation électronique des voix et du piano, percussions corporelles, et même beatbox à la flûte traversière. La représentation a été particulièrement marquée par les performances a cappella, notamment de tubes comme Sympathy for the Devil des Rolling Stones ou You Want It Darker de Leonard Cohen. 

L’interprétation sur le mode comique, voire “slapstick”, de certaines scènes tragiques, comme la découverte du corps de Duncan, font de cette mise en scène un spectacle grand public qui ne trahit pas pour autant le tragique et le sérieux des derniers actes. Le dispositif de suspension, avec ses crânes et ses armes ensanglantées, qui avait jusqu’alors flotté au-dessus de la scène est abaissé par les comédiennes après le meurtre de Banquo. Les effusions grotesques disparaissent subitement. Il n’est nul besoin de surjouer le récit du meurtre des enfants de MacDuff. Le public s’est tu, la mort et le crime occupent désormais tout l’espace scénique.

Irène Vilquin (Université Sorbonne Nouvelle)