Béatrice Chaix Rouchon
Stratégies d’auctorialité et paratextes en Angleterre (1562-1623) : entre choix de carrière et affirmation d’une autorité littéraire
Cette thèse se propose d’étudier le statut d’auteur dans l’Angleterre de l’époque moderne, en s’attachant particulièrement à ce qu’en montrent les pages liminaires (pages de titre, préfaces, dédicaces et éloges amicaux). En effet, dans le contexte d’intense développement du marché du livre imprimé de la période, l’auteur anglais semble dans une situation paradoxale. D’une part, on voit apparaître une forme d’investissement publicitaire dans la figure de l’auteur et de monumentalisation de son rôle. D’autre part, pourtant, l’auteur reste un acteur socialement et juridiquement marginal dans l’économie du livre imprimé, dépendant à la fois du bon vouloir des stationers, qui veillent aux intérêts de leur corporation, et de la générosité de protecteurs potentiels. En l’absence d’une législation protégeant l’autorité de l’auteur sur ses propres écrits, c’est donc généralement les paratextes qui nous donnent accès à l’arrière-boutique des tractations menant à la publication. Cet « espace liminaire », exploité diversement par les auteurs, les stationers et les genres, cristallise toujours des stratégies d’appropriation du texte et de sa postérité. Il s’agira alors de définir comment une présence auctoriale en phase de transformation trouve un terrain d’expression privilégié au sein du livre imprimé tant dans l’ordre du discours que dans les indices matériels et les dispositifs éditoriaux. Pour cela, ce travail de thèse croisera les plans larges (donnant à voir les évolutions générales de la période) et les études de cas.
Béatrice Chaix Rouchon a entamé son doctorat à Sorbonne Université en 2020, sous la direction de Line Cottegnies. Elle s’intéresse particulièrement à l’articulation entre auctorialité et paratextes dans l’Angleterre des XVIe et XVIIe siècles et, plus généralement, à l’histoire du livre anglais.
Blandine Demotz
“I require you on the kynges behalfe that ye procede” : individualité et autorité étatique dans les lettres de Thomas Cromwell (1532-1540)
Lorsqu’on évoque Thomas Cromwell (1485?-1540), il est parfois difficile de comprendre l’étendue de sa charge au sein du gouvernement d’Henri VIII, notamment à la lecture d’une historiographie certes riche mais souvent contradictoire. Cromwell était-il la tête pensante derrière la Réforme et les transformations administratives au sein du gouvernement, manipulant, comme certains l’affirment, le roi tel une marionnette, ou bien était-il un ministre doué, certes puissant mais bien soumis aux injonctions et à la volonté du roi ? Si la réponse à cette question reste incertaine, quelques pistes peuvent apparaître dans la correspondance de Thomas Cromwell.
Cromwell était un homme lettré, inséré dans la sphère humaniste, même s’il était avant tout un administrateur, et non un théoricien, tel Thomas More ou Érasme. En cela, on ne dispose pas d’écrits de sa main autres que ses lettres, qui peuvent tout de même s’avérer éclairantes sur la position du ministre. Lors de son arrestation en 1540 pour haute trahison, toutes les lettres de Cromwell qui restaient ont été confisquées par les hommes du roi, mais Cromwell, en homme prudent, en avait lui-même détruit une partie, un processus que ses serviteurs ont continué après son arrestation. On ne dispose donc que de 351 lettres, qui s’étalent de 1523 à 1540 et qui ne représentent qu’une infime partie de la correspondance extrêmement nourrie que Cromwell entretenait avec divers interlocuteurs, des ambassadeurs (anglais ou étrangers) aux maires, du roi aux abbés et abbesses, des ministres (anglais ou étrangers) aux serviteurs. Sa correspondance témoigne à la fois de sa maîtrise des codes épistolaires et d’un souci de la diplomatie et de ses conséquences. En cela, Cromwell semble maîtriser son image d’épistolier, qu’il adapte parfois à son interlocuteur, même si ses lettres traitent avant tout d’affaires administratives qui reposent sur le factuel et non sur une écriture de soi à volonté autobiographique. La correspondance cromwellienne apparaît donc comme un miroir de la position du ministre qui sait comment et à qui parler, ce qui favorise ses affaires, autant au niveau personnel qu’au niveau diplomatique, dans une période d’incertitude rythmée par les Réformes et par des conflits continentaux qui fragilisent la position internationale de l’Angleterre.
Normalienne, Blandine Demotz est agrégée d’anglais et doctorante en études anglophones sous la direction de Guillaume Coatalen et François Pernot (CY Cergy-Paris Université, Héritages UMR9022). Elle étudie la façon dont Cromwell, en tant qu’homme d’état, construit son statut d’épistolier, en accord avec sa position au sein du gouvernement. Autrice aux éditions Ellipses, elle a récemment contribué à l’ouvrage Agrégation de Lettres 2023-2024 – Littérature générale et comparée: Théâtres de l’amour et de la mémoire (2022) en traitant de la partie concernant Le songe d’une nuit d’été de William Shakespeare ainsi qu’à l’ouvrage Réussir son hypokhâgne, cours méthode et devoirs corrigés (à paraître, juillet 2023). Elle a également écrit pour la revue Caliban (à paraître, septembre 2023) et participe à un atelier de paléographie de la Renaissance organisé par Guillaume Coatalen.
Méline Dumot
« Give me audience » : la place du spectateur dans les mises en scènes contemporaines de Shakespeare
« Can theatre exist without an audience? At least one spectator is needed to make it a performance ». Jerzy Grotowski met ici en avant la place centrale du spectateur, qui se trouve toujours au cœur de l’évènement théâtral et est la condition même de son existence. Que dire des spectateurs shakespeariens au 21ème siècle ? Le spectateur des pièces de Shakespeare est-il distinct des autres, impliqué dans un rapport particulier avec le texte et sa mise en scène ? Le but de ma thèse est de recueillir des données sur les publics qui assistent à des pièces de Shakespeare au théâtre. Par un travail de terrain dans différents théâtres en France, en Allemagne et aux Etats-Unis, je cherche à mieux comprendre le rapport des spectateurs à un auteur canonique. Au moyen de questionnaires et d’entretiens, j’obtiens des données à la fois quantitatives et qualitatives à partir desquelles je dégage des hypothèses de recherche. Ce travail est ainsi au croisement des études shakespeariennes, des études théâtrales, et de la sociologie de la réception. Je me concentre également sur le lien entre artistes et public qui est développé ou non au cours des mises en scène étudiées, et sur les interactions entre la salle et la scène. La question des publics scolaires et de l’inclusion des spectateur·rice·s en situation de handicap est également centrale dans mon travail.
Méline Dumot est doctorante à l’Université Clermont-Auvergne et travaille sur la place du spectateur contemporain dans le théâtre de Shakespeare sous la direction de Madame Sophie Chiari. Elle a publié deux articles : « Giving Voice in Mike Lew’s Teenage Dick: Disability in a Modern Rewriting of Richard III » (La Clé des langues) et « A Contemporary Clown: Richard III on the Twenty-first Century Theatrical Stage » (Pacific Coast Philology Journal).
Pauline Durin
Désobéir et résister : les femmes rebelles dans le théâtre anglais de la première modernité
La question de la place des femmes, de leur nature, de leurs capacités et de leurs droits a profondément marqué l’Angleterre de la première modernité, comme en témoigne les manuels de conduite, les pamphlets, les chapitres d’ouvrage et bien sûr les pièces consacrées à cette question. Les injonctions qui incombaient aux femmes peuvent se résumer ainsi : « silence, obedience, submissiveness, and restraint[1]. » À l’opposé de ce modèle féminin, la femme rebelle (« unruly woman ») est un personnage type de la première modernité qui se distingue par son refus de se plier aux conventions qui incombent à son sexe. Souvent stéréotypée, la femme rebelle est régulièrement envisagée au sein d’un schéma de pensée binaire : le refus d’une femme d’être dominée signifierait nécessairement qu’elle cherche à dominer, renversant ainsi la hiérarchie patriarcale pour mettre sous son contrôle les hommes supposés la contrôler. La femme rebelle est donc souvent dépeinte comme agressive ; elle est une femme dont l’appétit, la sexualité et la parole sont perçus comme excessifs et en cela, elle est une figure transgressive qui résiste aux attentes sociales par sa désobéissance aux injonctions.
Cette figure est surtout considérée comme un personnage de comédie, on la retrouve par exemple à travers les personnages de Moll Cut-Purse dans The Roaring Girl de Thomas Middleton et Thomas Dekker (1611), Kate dans The Taming of the Shrew de William Shakespeare (1590-1594), Margarita et Estifania dans Rule a Wife and Have a Wife (1640) et Maria dans The Tamer Tamed de John Fletcher (1647), une pièce qui se veut la suite de celle de Shakespeare. Cependant, j’aspire à mettre ces personnages en perspective avec d’autres modèles tragiques grâce aux deux héroïnes de The Duchess of Malfi de John Webster (1612-1613), et de The Tragedy of Mariam d’Elizabeth Cary (1613).
Mon travail s’inscrit dans la continuité des Gender Studies, et je souhaite suivre une ligne post-révisionniste telle que définie par D. Callaghan[2] puisque je ne tends ni à faire des personnages que j’étudie d’éternelles victimes, ni à nier les formes d’oppression qu’elles peuvent subir. La notion de performativité du genre telle que formulée par Judith Butler est donc primordiale, car j’étudie la façon dont les personnages féminins s’acquittent de cette performance, ou au contraire la contrent et la réinventent. Les femmes rebelles choisissent de subvertir un rôle qui n’est pas celui qu’on leur demande de jouer ; cela signifie-t-il pour autant qu’elles adoptent forcément des attributs masculins ? T. Jankowski montre que la résistance au patriarcat et à ceux qui l’incarnent ne se fait pas nécessairement par une inversion des rôles mais par une subversion de ces rôles : « those who confound the sex/gender system not by trying to be men, but by not being “women”[3] ». Enfin, la désobéissance, soit le refus d’obéir à un ordre et par extension d’obéir à celui qui l’a donné, est souvent un acte isolé et ponctuel. La résistance quant à elle est plutôt à envisager comme une conduite plus articulée, active et potentiellement collective. Mon travail consiste à examiner la tension qui différencie ces deux modes d’action mais aussi leur complémentarité.
[1] Laura Gowing, Domestic Dangers: Women, Words, and Sex in Early Modern Londres (Oxford : Oxford University Press, 1996), 2. Voir également Suzanne Hull, Chaste, Silent & Obedient: English Books for Women 1475-1640 (San Marino : Huntington Library, 1988).
[2] Dympna Callaghan, The Impact of Feminism in English Renaissance Studies (Basingstoke; New York : Palgrave Macmillan, 2007), 5.
[3] Theodora Jankowski, Pure Resistance: Queer Virginity in Early Modern English Drama (Philadelphie : University of Pennsylvania Press, 2000), 12.
Pauline Durin est en deuxième année de doctorat à l’Université Clermont-Auvergne au sein de l’IHRIM (UMR 5317). Sa thèse, dirigée par Sophie Chiari, porte sur la représentation des femmes rebelles dans le théâtre de la première modernité. Elle fait également partie d’un projet collectif de traduction de The Tragedy of Mariam d’Elizabeth Cary au sein du séminaire Epistémè, dirigé par Aurélie Griffin à la Sorbonne Nouvelle.
Chloé Giroud
S’immerger dans Shakespeare : nouvelles modalités de jeu au 21e siècle en France
Au 21ème siècle, on observe un renouvellement des adaptations théâtrales shakespeariennes. De nouvelles modalités de jeu apparaissent. On tente de réinventer la forme pour que le fond continue d’être entendu. Au cours de mes recherches, j’ai donc souhaité essayer de comprendre ce qui fait la particularité des adaptations contemporaines, et quelles évolutions ont vu le jour. Comment, dans la première moitié du 21ème siècle, les metteurs en scène parviennent-ils à perpétuer ce lien entre Shakespeare et le public français ? Quelles stratégies sont mises en place ? Quelles libertés sont prises ? Comment le rôle du spectateur est-il repensé ?
J’étudie plus précisément la place centrale que prend l’immersion dans ces adaptations, d’une part dans le théâtre immersif de Léonard Matton, et d’autre part dans les nouvelles adaptations shakespeariennes, qui se placent en rupture en faisant appel à une forme d’immersion.
Ma recherche comprend une part importante d’étude de terrain, puisque je suis de près le travail de Léonard Matton, avec ses créations Helsingør, Château d’Hamlet et Le Fléau, Mesure pour Mesure.
Chloé Giroud est agrégée d’anglais et doctorante contractuelle en première année à l’Université de Grenoble Alpes. Elle effectue sa thèse sous la direction d’Estelle Rivier-Arnaud. Sa recherche porte sur la rupture dans les adaptations contemporaines et françaises de trois tragédies shakespeariennes. Crédit photo : Elodie Davis Photographe.
Patrick Issert
De la scène théâtrale à la scène lyrique. Les « opéras shakespeariens » du XVIIe au XXIe siècle. Structurations, esthétiques, mutations. Direction de recherches : Sophie Chiari (Université Clermont Auvergne).
Soumettre une pièce du théâtre shakespearien à une transsubstantiation opératique constitue un défi personnel, avant même d’être artistique. Au fil des siècles, nombre de compositeurs apparaissent irrésistiblement attirés par l’idée de se mesurer à la présence écrasante et unique de Shakespeare dans l’espace culturel mondial. Songer à l’adapter sur la scène lyrique, c’est vouloir se confronter à un auteur hors normes, mais surtout à un mythe. Un géant, à la fois humain et démiurge. Une statue du Commandeur stimulant ou brisant les audacieux, quel que soit leur talent ou leur réputation. Rares, très rares, sont ceux parvenus à mener à bien cette transsubstantiation. Nombreux, très nombreux, ceux qui ont échoué ou renoncé.
Ces tentatives ont généré une abondante production critique, en grande partie centrée sur les mêmes pièces et les mêmes opéras. Si les esthétiques musicales et le regard posé, génération après génération, sur l’œuvre de Shakespeare diffèrent et s’y affrontent parfois avec acharnement, ce combat formel et normatif prend souvent le pas sur la tentative de rapprochement de deux personnalités ou polarités artistiques et la nécessité nouvelle susceptible d’en résulter. Changer de paradigme et repartir d’une pièce de jeunesse et de ses adaptations sous forme lyrique où rôde le fantôme d’autres géants permettrait de faire apparaitre certaines raisons autres que formelles à ces réussites ou échecs.
Ainsi, cette exploration examinera le sort fait à La Comédie des Erreurs de William Shakespeare en s’appuyant sur un corpus composé de cinq opéras peu connus : Gli Equivoci (Steven Storace, 1786), Irrungen (Carl Adolf Lorenz, 1939), Die Komödie der Irrungen (Franz Wödl, 1941), Pozdvizeni v Efesu (Isa Krejci, 1946) et Errors (Andrew Wilson-Dickson, 1980). Au-delà de la rencontre de deux paires de jumeaux à Éphèse et des quiproquos ainsi créés, angles d’approche traditionnels, l’étude de ces tentatives s’articulera notamment autour des problèmes de l’identité personnelle, de la fidélité à soi-même et aux autres ou encore de l’être à la fois immuable et changeant.
Il s’agira d’observer comment compositeurs et librettistes relèvent sur ces thèmes récurrents dans l’œuvre de Shakespeare le défi posé par ce dramaturge, source constante de réflexions et de perplexités. Il s’agira également de mettre en regard les conclusions tirées de cette étude du traitement lyrique de La Comédie des Erreurs avec celles concernant des pièces de Shakespeare adaptées à l’opéra et ordinairement considérées comme majeurs par la critique.
Patrick Issert est doctorant en Sciences Humaines et Sociales à l’Université de Clermont Auvergne (France). Il rédige actuellement une thèse sur Shakespeare et l’opéra (“De la scène théâtrale à la scène lyrique, les « opéras shakespeariens » du XVIIe au XXIe siècle. Structurations, esthétiques, mutations”). Tout en travaillant comme journaliste pour des médias tels que Radio-Canada, Le Matin de Paris, Libération, Agence France-Presse et L’Equipe, il a publié, dans des revues universitaires, des articles académiques portant notamment sur la musique à l’époque shakespearienne . En tant qu’assistant de recherche basé à Paris pour l’Université de Victoria (B. C., Canada), il a collaboré à A Shakespeare Music Catalog publié en 1991 par Oxford University Press.
Diane Larquetoux
Anatomies de la romanité : de la mise en scène de l’altérité à la théâtralité dans les tragédies romaines de William Shakespeare , sous la direction de C. Sukic
Thèse soutenue le 21 novembre 2022 à l’université de Reims Champagne-Ardenne
Si la thématique de la romanité, en tant que le lieu d’action mais aussi en tant que thèmes et valeurs qu’elle représente, assure une unité de structure et d’atmosphère aux tragédies romaines de William Shakespeare et constitue le squelette autour duquel ces dernières prennent corps, il apparaît que Shakespeare réécrit les motifs politiques, philosophiques et religieux de cette romanité et les met en scène pour mieux en pointer le caractère illusoire d’une part, et les porter au service de la théâtralité d’autre part. En effet, l’idée d’une identité romaine comme monolithe ébranlé par la présence de l’étranger, est d’emblée mise à distance. Qu’il s’agisse d’Aaron qui fait l’objet, par sa couleur, d’une caractérisation, son teint ébène devenant le signe extérieur de la noirceur de son âme et qui constitue, par ses mœurs, une menace à la civilité et à l’identité romaine — et à travers elle, à l’identité anglaise — ou de Cléopâtre qui, du point de vue romain, est une reine de l’anarchie et un obscur objet de désir illicite, la confrontation à l’altérité, bien loin de dessiner par contraste une romanité nette et bien définie, interroge la porosité des frontières qui séparent le corps étranger du corps romain qui le rejette et dévoile une romanité en crise où un Romain comme Titus prend des allures de barbare et où les valeurs de la romanité trouvent leur ambassadrice dans une Reine étrangère, Cléopâtre. Dans Titus Andronicus, au théâtre de la cruauté d’Aaron répondra la vengeance sauvage orchestrée par Titus qui dévoilera sa barbarie derrière sa civilité de façade et en fera l’égal du Maure comme metteur en scène de l’infamie, exposant au grand jour la sauvagerie latente tapie dans les coulisses de la romanité. Dans Anthony and Cleopatra, Cléopâtre réussit à faire sienne certaines des valeurs romaines — dont celle, essentiellement masculine, de la virtus — qu’avait abandonnées Antoine sous l’effet de sa passion égyptienne jusqu’à devenir une image de cette même romanité en substituant à la scène de triomphe romain rêvée par Octave sa propre mise en scène stoïcienne et sensuelle : celle de son suicide qu’elle orchestrera en toute conscience du rôle qu’elle est en train de jouer sur la scène de la politique aussi bien que sur celle du théâtre. La romanité ne serait donc pas exclusivement une question de valeurs mais également une question de représentations de celles-ci. D’une barbarie mimétique dans Titus Andronicus à un échange de rôles dans Antony and Cleopatra, le théâtre devient ainsi l’outil par lequel se fait la traversée des frontières entre ce qui est romain et ce qui ne l’est pas. À cette fonction de transgression, vient s’ajouter celle, déterminante, que la théâtralité assure au sein même de la romanité. En effet, si l’appartenance à la cité romaine est une condition ni nécessaire ni suffisante de la romanité, qui ne permet pas d’échapper à l’altérité, l’Autre se définissant analytiquement dans les tragédies romaines de Shakespeare, par celui qui vit au-delà des frontières mais aussi habite la pensée autrement, la théâtralité, elle, a le pouvoir de déterminer la position du personnage au sein de cette romanité — dans Julius Caesar — ou même — dans Coriolanus — jusqu’à devenir la condition absolue à cette romanité. Dans Julius Caesar comme dans Coriolanus,l’Autre est romain et évolue au sein même de la romanité, alors que cette romanité, se construisant autour des luttes de pouvoirs internes qui s’organisent autour de mises en scène qui sont des passages obligés, est faite, défaite et définit par la théâtralité. En outre, ces pièces accusent encore le lien entre anatomie, politique et théâtre qu’avait esquissé Titus Andronicus et tissé Antony and Cleopatra, mais d’une nouvelle manière, qui lie la présentation du corps à la légitimité politique. En effet, Julius Caesar voit Brutus construire l’assassinat de César comme un sacrifice sur l’autel de la République, sorte de performance théâtrico-religieuse de refondation de l’état romain. Cette image sera déconstruite par la performance théâtrale d’Antoine dans fameuse scène du forum, placée stratégiquement au centre de la pièce et significative de l’affrontement des récits théâtraux qui parcourent la pièce. Ce dernier fera du meurtre un acte sacrilège, de César un martyr aux plaies accusatrices et de Brutus et des autres conspirateurs des criminels dont le forfait mérite rétribution. À l’instar de l’exposition du corps de César aux yeux de tous qui permet la réécriture de sa signification par Antoine, la non-exposition des blessures de Coriolan, qui sont autant de garanties de la qualité romaine qu’est la virtus, et qui seraient devenues, une fois exposées et interprétées, caution de la valeur politique, est un acte créateur de désordre. Par son refus de toute mise en scène, Coriolan ne peut satisfaire à l’exigence romaine de représentation. Son individualité l’exclut de la romanité et laisse ainsi la place pour qu’un personnage opérant jusque-là des coulisses, l’incarne à sa place et, acceptant de jouer l’hypocrite, occupe le devant de la scène : sa mère Volumnia. Champs d’affrontements entre l’unité et la fragmentation, entre l’identité intacte et l’identité menacée, les tragédies romaines de Shakespeare reflètent la période de crise — terme aux dimensions politique, anatomique et théâtrale — dans laquelle elles voient le jour. Servant avant tout l’exploration de la théâtralité, la romanité deviendrait prétexte et ferait, en définitive, figure d’alibi à l’esthétique. Ainsi, Shakespeare explore ainsi une romanité toute en représentations, méta théâtrale, qui illustre sa maxime « Le monde entier est un théâtre, / Et tous, hommes et femmes, n’y sont que des acteurs »[1].
Si la thématique de la romanité, en tant que le lieu d’action mais aussi en tant que thèmes et valeurs qu’elle représente, assure une unité de structure et d’atmosphère aux tragédies romaines de William Shakespeare et constitue le squelette autour duquel ces dernières prennent corps, il apparaît que Shakespeare réécrit les motifs politiques, philosophiques et religieux de cette romanité et les met en scène pour mieux en pointer le caractère illusoire d’une part, et les porter au service de la théâtralité d’autre part.
En effet, l’idée d’une identité romaine comme monolithe ébranlé par la présence de l’étranger, est d’emblée mise à distance. Qu’il s’agisse d’Aaron qui fait l’objet, par sa couleur, d’une caractérisation, son teint ébène devenant le signe extérieur de la noirceur de son âme et qui constitue, par ses mœurs, une menace à la civilité et à l’identité romaine — et à travers elle, à l’identité anglaise — ou de Cléopâtre qui, du point de vue romain, est une reine de l’anarchie et un obscur objet de désir illicite, la confrontation à l’altérité, bien loin de dessiner par contraste une romanité nette et bien définie, interroge la porosité des frontières qui séparent le corps étranger du corps romain qui le rejette et dévoile une romanité en crise où un Romain comme Titus prend des allures de barbare et où les valeurs de la romanité trouvent leur ambassadrice dans une Reine étrangère, Cléopâtre. Dans Titus Andronicus, au théâtre de la cruauté d’Aaron répondra la vengeance sauvage orchestrée par Titus qui dévoilera sa barbarie derrière sa civilité de façade et en fera l’égal du Maure comme metteur en scène de l’infamie, exposant au grand jour la sauvagerie latente tapie dans les coulisses de la romanité. Dans Anthony and Cleopatra, Cléopâtre réussit à faire sienne certaines des valeurs romaines — dont celle, essentiellement masculine, de la virtus — qu’avait abandonnées Antoine sous l’effet de sa passion égyptienne jusqu’à devenir une image de cette même romanité en substituant à la scène de triomphe romain rêvée par Octave sa propre mise en scène stoïcienne et sensuelle : celle de son suicide qu’elle orchestrera en toute conscience du rôle qu’elle est en train de jouer sur la scène de la politique aussi bien que sur celle du théâtre. La romanité ne serait donc pas exclusivement une question de valeurs mais également une question de représentations de celles-ci.
D’une barbarie mimétique dans Titus Andronicus à un échange de rôles dans Antony and Cleopatra, le théâtre devient ainsi l’outil par lequel se fait la traversée des frontières entre ce qui est romain et ce qui ne l’est pas. À cette fonction de transgression, vient s’ajouter celle, déterminante, que la théâtralité assure au sein même de la romanité. En effet, si l’appartenance à la cité romaine est une condition ni nécessaire ni suffisante de la romanité, qui ne permet pas d’échapper à l’altérité, l’Autre se définissant analytiquement dans les tragédies romaines de Shakespeare, par celui qui vit au-delà des frontières mais aussi habite la pensée autrement, la théâtralité, elle, a le pouvoir de déterminer la position du personnage au sein de cette romanité — dans Julius Caesar — ou même — dans Coriolanus — jusqu’à devenir la condition absolue à cette romanité. Dans Julius Caesar comme dans Coriolanus,l’Autre est romain et évolue au sein même de la romanité, alors que cette romanité, se construisant autour des luttes de pouvoirs internes qui s’organisent autour de mises en scène qui sont des passages obligés, est faite, défaite et définit par la théâtralité. En outre, ces pièces accusent encore le lien entre anatomie, politique et théâtre qu’avait esquissé Titus Andronicus et tissé Antony and Cleopatra, mais d’une nouvelle manière, qui lie la présentation du corps à la légitimité politique. En effet, Julius Caesar voit Brutus construire l’assassinat de César comme un sacrifice sur l’autel de la République, sorte de performance théâtrico-religieuse de refondation de l’état romain. Cette image sera déconstruite par la performance théâtrale d’Antoine dans fameuse scène du forum, placée stratégiquement au centre de la pièce et significative de l’affrontement des récits théâtraux qui parcourent la pièce. Ce dernier fera du meurtre un acte sacrilège, de César un martyr aux plaies accusatrices et de Brutus et des autres conspirateurs des criminels dont le forfait mérite rétribution. À l’instar de l’exposition du corps de César aux yeux de tous qui permet la réécriture de sa signification par Antoine, la non-exposition des blessures de Coriolan, qui sont autant de garanties de la qualité romaine qu’est la virtus, et qui seraient devenues, une fois exposées et interprétées, caution de la valeur politique, est un acte créateur de désordre. Par son refus de toute mise en scène, Coriolan ne peut satisfaire à l’exigence romaine de représentation. Son individualité l’exclut de la romanité et laisse ainsi la place pour qu’un personnage opérant jusque-là des coulisses, l’incarne à sa place et, acceptant de jouer l’hypocrite, occupe le devant de la scène : sa mère Volumnia.
Champs d’affrontements entre l’unité et la fragmentation, entre l’identité intacte et l’identité menacée, les tragédies romaines de Shakespeare reflètent la période de crise — terme aux dimensions politique, anatomique et théâtrale — dans laquelle elles voient le jour. Servant avant tout l’exploration de la théâtralité, la romanité deviendrait prétexte et ferait, en définitive, figure d’alibi à l’esthétique. Ainsi, Shakespeare explore ainsi une romanité toute en représentations, méta théâtrale, qui illustre sa maxime « Le monde entier est un théâtre, / Et tous, hommes et femmes, n’y sont que des acteurs »1.
[1] As you like it, II, 7, 139-143: « All the world’s a stage, / And all the men and women merely players ».
Clémence Lescoutre
Mots en scène et naissance d’une langue dans les premières comédies de Shakespeare (1589?-1595?).
Dans mon projet de thèse ‘Mots en scène et naissance d’une langue dans les premières comédies de Shakespeare’, je propose d’analyser l’influence de la langue latine dans le modelage et le façonnage de la langue anglaise naissante au début de la période de la première modernité dans The Two Gentlemen of Verona, The Taming of the Shrew, The Comedy of Errors, Love’s Labour’s Lost et A Midsummer Night’s Dream, corpus qui s’étend de 1589? à 1595? . Dans ce travail qui combine démarche historiciste (histoire du théâtre et histoire de la langue) et démarche textuelle, l’objet de mon propos est de mettre en lumière comment la comédie, par le biais de l’emprunt aux textes classiques et aux expressions et mots latins, devient progressivement pour Shakespeare un lieu privilégié de la fabrique d’une langue propre, mais aussi d’une formulation de son ars poetica, d’une théorisation en acte de sa poétique.
Clémence Lescoutre est agrégée d’anglais et étudiante en deuxième année de doctorat à Paris Sorbonne Nouvelle – Paris 3 sous la direction de Madame Anne-Marie Miller-Blaise. Sa recherche porte sur les mots en scène et la naissance d’une langue dans les premières comédies de Shakespeare. En parallèle, elle enseigne au lycée Guy Mollet à Arras. Elle travaille également depuis plusieurs années avec Madame Liliane Gallet-Blanchard et Madame Marie-Madeleine Martinet (Sorbonne Université) sur un programme en ligne organisé autour du site ‘Georgian Cities’ pour la Faculté des Lettres et la Faculté de Médecine de Sorbonne Université.
Courriel: clemence.lescoutre@sorbonne-nouvelle.fr
Louise McCarthy
Visions d’abondance: la cartographie de propagande des Compagnies de la Virginie et des Indes Orientales (1600-1626)
Sa thèse porte sur la cartographie produite ou mobilisée par deux compagnies commerciales majeures de la période moderne : la Compagnie des Indes Orientales et la Compagnie de la Virginie. Replacées dans un corpus textuel dit « de propagande » (promotional literature), les cartes mises au service de la EIC et la VC sont étudiées comme des vitrines offrant en spectacle des terres lointaines et des ressources susceptibles d’attirer l’attention de potentiels investisseurs, employés ou colons. Ces images, circulant sous forme manuscrite dans des réseaux bien définis ou sous forme imprimée dans des cercles plus larges, constituaient des catalogues visuels spatialisés et contribuaient à former l’imaginaire géo-commercial de l’Angleterre au début du 17e siècle. Elles répondaient en outre à un désir croissant pour des cartes jugées utiles pour leur dimension à la fois informative, esthétique et rhétorique.
Louise McCarthy est en 2e année de doctorat à l’Université Paris Cité où elle enseigne et poursuit ses recherches sous la direction de Madame le Professeur Ladan Niayesh. Elle a co-écrit l’article « Cartography as Propagandist Design: From Company Map to Virginian Masques (1613-14) » publié dans la revue XVII-XVIII 78 (2021), et travaille actuellement à un chapitre pour le volume Decolonising Travel Studies (Routledge, History of Travel series) sous la direction de Natalya Din-Kariuki et Guido Van Meersbergen. Elle a reçu le prix de master de la Société Française Shakespeare (2022) et celui de la SEAA1718 (2023) pour son mémoire intitulé : “Treasure Maps:
Cartography in the Hands of the Virginia Company
and the East India Company, 1600-1625”
Vincent Martins
De William Shakespeare à George R. R. Martin: (ré)écriture du pouvoir
Cette thèse a pour but de mettre en dialogue la saga de fantasy de George R. R. Martin A Song of Ice and Fire (1996—), composée actuellement de cinq tomes, et les pièces de William Shakespeare qui ont constitué une source d’inspiration majeure pour l’auteur américain. Cette approche comparative repose à la fois sur l’intertexte shakespearien qui affleure distinctement dans Le Trône de Fer, ainsi que sur la réécriture de l’histoire et des guerres de pouvoir. Ce double corpus permet donc de s’intéresser à la manière dont la réécriture et l’intertextualité sont mises au service de l’écriture du pouvoir. Ce travail de recherche vise à étudier à la fois les procédées littéraires utilisés pour la construction du pouvoir, sa représentation et les modalités de sa conquête, de sa mise en pratique et de sa perte, ainsi que le regard que portent le dramaturge et le romancier sur l’autorité politique, tous deux interrogeant sa légitimité.
Vincent Martins est professeur agrégé d’anglais et enseigne actuellement en tant qu’ATER à l’Université Le Havre Normandie. Il est doctorant en littérature britannique à l’Université Clermont Auvergne. Sa thèse, qu’il effectue sous la direction de la Professeure Sophie Chiari, porte sur les (ré)écritures du pouvoir dans les pièces de William Shakespeare et dans la saga de fantasy Le Trône de fer de George R. R. Martin. Ses recherches ont pour objet le théâtre du XVIème et XVIIème siècle, en particulier les pièces de Shakespeare, ainsi que la littérature de fantasy.
Johann Paccou
Rhétorique et désirs homoérotiques dans le théâtre et la poésie de la première modernité britannique
Dans le cadre de ma thèse, j’étudie l’expression du désir homoérotique dans des œuvres de divers genres littéraires datant du tournant du XVIIe siècle. Je propose de suivre la voie d’un « rhétoricisme queer » qui a pour dessein de mettre au jour les stratégies linguistiques déployées dans l’expression du désir entre personnes du même genre dans le but de dessiner une poétique culturelle de l’homoérotisme dans l’Angleterre de la première modernité. Si Shakespeare et Marlowe figurent au premier plan de mes recherches, j’ai à cœur de les faire dialoguer avec des auteurs trop souvent considérés comme « secondaires » comme Lodge, Lyly, Barnfield, ou encore Beaumont et Fletcher.
Johann Paccou est agrégé d’anglais et doctorant contractuel à l’Université Sorbonne Nouvelle depuis septembre 2022. Ses recherches sont dirigées par Anne-Marie Miller-Blaise. Il est l’auteur d’un mémoire de recherche intitulé « ‘[T]o love a lovely lad’ : Ganymède et le désir queer sur la scène et dans la poésie de la première modernité ». Dans le cadre de ses recherches sur le genre et la sexualité à l’époque prémoderne, il a notamment participé à la journée d’études « Gender Performance on the Elizabethan Stage and Beyond: Radicality or Run-of-the-mill? » organisée par l’université de Poitiers. Il travaille actuellement à la publication d’un article sur la performance de genre et le désir homoérotique dans Galatea de John Lyly.
Nathalie Robert-Jurado
Expressions, impressions shakespeariennes par le corps et la scène post-Noughties
Ce projet de recherche vise à explorer le potentiel actuel des textes écrits par William Shakespeare au XVIe siècle à travers l’étude de certaines pièces de théâtre phares qui constituent le patrimoine du théâtre élisabéthain d’une part, mais aussi du théâtre britannique et européen dans une mesure bien plus large. En effet, à travers les siècles et les horizons, William Shakespeare semble s’inscrire comme un véritable contemporain tant ses textes sont lus, étudiés et joués dans les théâtres du monde entier. Valeur sûre pour les écoliers, modèle du genre pour les spécialistes, le théâtre de Shakespeare inspire des générations de lecteurs, d’artistes et de spectateurs, toujours différentes. Force est de constater qu’à chacune de ses adaptations, le texte est modifié pour mieux s’harmoniser et s’adapter au public contemporain. C’est à travers cette dimension de contemporanéité qu’il peut être intéressant d’aborder le texte comme matière à mettre en scène des enjeux et des concepts qui font écho chez un public en quête constante d’inédit, tant esthétique que sémantique. Alors que pour certains cette œuvre parait d’un autre temps, elle s’inscrit cependant dans une nouvelle dynamique esthétique qui fixe une certaine proximité par le genre et par la représentation. Le comédien est alors au centre d’un texte qui se veut ouvert sur le monde, ouvert aux regards, passeur de mémoire et de sens dans une construction renouvelée à chaque représentation. La scénographie des pièces de Shakespeare sur la scène contemporaine a déjà fait l’objet de travaux de recherche qui ont marqué le lien indéfectible entre écriture et interprétation. Néanmoins, il convient de poursuivre la réflexion sur la pertinence de Shakespeare à notre époque, en particulier auprès des jeunes voire des très jeunes. En outre, on cherchera à saisir ce qu’il reste de son théâtre après tous les filtres par lesquels il est passé pour être adapté.
Ce projet de thèse vise à analyser la façon dont les jeunes générations de metteurs en scène et de spectateurs peuvent contribuer à changer le visage de Shakespeare en France, c’est-à-dire à transformer des textes issus de la première modernité en des textes post-modernes. Pour ce faire, il conviendra de dresser un panorama de l’esthétique théâtrale du début du XXIe siècle afin d’en saisir les enjeux. L’un des objectifs premiers sera de cerner les expressions esthétiques représentatives de la dramaturgie shakespearienne sur la scène « post-noughties » française. Dans un second temps, nous serons amenés à envisager le corps de l’acteur comme filtre pour adapter ce même répertoire. L’atmosphère scénique comme expérience plurielle, c’est à dire du lieu, de la culture, de l’interculturalité et des émotions, sera alors placée au centre de cette seconde partie. Cette perspective nous conduira enfin à envisager la réception de Shakespeare par les nouvelles générations ; à travers des expériences théâtrales (rencontres, spectacles, études de pièces entre autres) menées avec des classes de lycéens, nous tâcherons de montrer comment signifier Shakespeare, comment le rendre accessible et démocratique, en somme pleinement contemporain.
Nathalie Robert-Jurado est titulaire du CAPES en anglais, enseignante en lycée et doctorante en 1ère année en études anglophones, sous la direction d’Estelle Arnaud-Rivier à l’Université Grenoble Alpes. Son travail porte sur la réception des pièces de Shakespeare par les jeunes lycéens et sur l’impact des représentations théâtrales contemporaines sur cette même réception et appropriation. Nathalie a publié un article intitulé “Hamlet à l’épreuve des jeunes générations”, publié dans l’ouvrage Mise(s) en je(u) d’Hamlet, Prince de Danemark, aux PUN.
Louise Roszak
De «gender-blind» à «gender-conscious» dans les mises au scène au Shakespeare’s Globe: ascension (et déclin?) d’un concept
Après sa nomination en tant que directrice artistique du théâtre du Globe en avril 2018, Michelle Terry prend la décision de renouveler les mises en scène des pièces de Shakespeare en réformant la distribution des rôles. Ils sont désormais attribués sans chercher à faire correspondre l’identité de genre des personnages avec celle des acteurs ou actrices. Si cette distribution des rôles à l’aveugle du point de vue du genre («gender-blind casting») n’a pas été mise en œuvre de manière systématique au Globe depuis le début de l’expérience de Michelle Terry, elle a concerné la majorité des mises en scène. Parmi les quatorze représentations originales des pièces de Shakespeare jouées entre avril 2018 et janvier 2022, onze mises en scène au total ont distribué des rôles à l’aveugle entre acteurs et actrices, dont trois tragédies (Hamlet, 2018; Roméo et Juliette, 2021; Hamlet, 2022), cinq comédies (Comme il vous plaira, 2018; La Nuit des Rois et Le Songe d’Une Nuit d’Été, 2019; La Nuit des Rois, 2021 et Mesure pour Mesure, 2022), et trois pièces historiques (Henri IV parties 1&2 et Henri V, 2019). Si la pratique du «gender-blind casting» en Angleterre a été mise en œuvre depuis le début du XXIe siècle par quelques troupes de théâtre, elle restait relativement marginale et avant-garde, y compris dans le cadre de représentations du canon élisabéthain. La décision de Michelle Terry d’en faire une norme au théâtre du Globe a donc ôté une large part de sa dimension révolutionnaire au «gender-blind casting» en en faisant pour la première fois un élément central de la vie théâtrale londonienne et un incontournable des adaptations contemporaines des pièces de Shakespeare, plutôt qu’un phénomène de contre-culture. Pourtant, la pratique du casting à l’aveugle divise le public et les média. Certains la saluent comme une démarche progressiste et engagée qui cherche à faire reculer les inégalités sociales, d’autres la dénoncent comme un phénomène de mode superficiel. Cette thèse se focalise spécifiquement sur les origines du «gender-blind casting» comme tradition théâtrale en en exposant les enjeux artistiques, culturels et socio-politiques.
Ancienne élève de l’École Normale Supérieure de Paris Saclay, Louise Roszak a obtenu l’agrégation d’anglais en 2021. En contrat doctoral au LARCA (UMR 8225), elle prépare actuellement une thèse sous la direction de Ladan Niayesh à l’Université Paris Cité. Sa recherche porte sur les adaptations post-genres de l’œuvre de Shakespeare, de la mise en scène théâtrale aux média hyper-contemporains.
Elizabeth Szanto
“Sound and Fury”: Soundscapes, Dual Acoustics and Echos on the Shakespearean Stage
My thesis titled “‘Sound and Fury’: Soundscapes, dual acoustics and echos on the Shakespearean Stage” follows at a double scientific objective: on the one hand, to further my analysis of the voices and soundscapes of the Shakespearean theatre as a poetic and rhetorical manifestation of duality. On the other hand, I seek to reverse the current approach of the psychologizing, psychoanalytical or even philosophical tendency of Shakespearean criticism, which consists in considering the sounds and voices emanating from the stage as a mere manifestation of an immaterial, epistemological and/or even psychic phenomenon, by showing, on the contrary – as an original hypothesis – that it is perhaps the acoustic context of the Shakespearean theatre that did in fact contribute to “roughhew” a new concrete experience of duality that posits as the basis of the modern “dual” or even multifarious conscience.
I have chosen a “multitudinous” methodological approach to my thesis’ subject: literary and rhetorical, but also contextualizing – archeological and historical. The psychoanalytical perspective has also been weighed in.
In order to reveal the conscience’s duality throughout Shakespeare’s drama I have considered a varied corpus composed of: two tragedies Hamlet, Macbeth, two histories 1, 2 & 3Henry VI, Richard III, two romances The Tempest, Pericles, and two comedies The Merchant of Venice and As You Like It. This will enable the analysis of a wider diversity of acoustical techniques and phenomena – as used during early modern performances – more adequate to reveal on the one hand, unexpected forms of continuity of the conscience’s duality from one genre to the other, and, on the other hand, to demonstrate the shaping of this duality by particular material and acoustic conditions.
I have started with the study of the particular material aspects of the Early Modern theatre. I have then focused on the rhetorical means Shakespeare uses in his plays to sonorously convey this complexified (modern) conscience. My study continued with a contextualizing perspective of the cultural environment and of various conscience aspects in the Early Modern. The psychoanalytical angle was also “sounded” to unveil different paths to the understanding of the complexified conscience. Within the perspective of the stage page debate, I have also attended (or viewed) several performances of the plays of the corpus so as to witness the diverse interpretations of the inward complexity of the Shakespearean protagonists suggested by these stagings.
I will endeavor to compile and reconcile, where necessary, the information obtained from the study of these different perspectives so as to demonstrate the very point of my thesis.
Elisabeth Szanto est actuellement inscrite en quatrième année de thèse en Etudes anglophones à l’Université Sorbonne Nouvelle sous la direction d’Anne-Marie Miller-Blaise. Son travail porte sur « Soundscapes, Dual Acoustics and Echoes on the Shakespearean Stage ». Elle avait auparavant soutenu ses deux mémoires de master sur les questions de la vengeance et de la tyrannie dans les tragédies shakespeariennes. Elle est membre de plusieurs projets collectifs de traduction et de recherche. Elle participe notamment à la traduction et édition critique de The Tragedie of Mariam d’Elizabeth Cary, sous la direction d’Aurélie Lentsch-Griffin au sein du sous-groupe Epistémè PEARL de l’EA PRISMES, et à des projets de transcriptions d’archives manuscrites coordonnés par Guillaume Coatalen. Elle a participé à plusieurs colloques, comme ceux du Shame Network, organisés par les équipes de PRISMES EA 4398 et CREW EA 4399, ainsi qu’à des journées d’études, comme celles organisées par le PEMS. Elle a récemment participé au colloque international «La guérison dans la Grande Bretagne, l’Irlande et l’Amérique de la première modernité (XVIe-XVIIIe siècles)» à Montpellier avec une communication intitulée «Smell[ing] music’ and synaesthetic healing in Shakespeare’s Drama», prévue pour publication dans la revue Etudes Epistémè en 2024.
Irène Vilquin
“Untimely Deaths”, suicide, imitatio et hétérodoxie dans le théâtre de Christopher Marlowe
Embrassant l’ensemble de l’œuvre dramatique de Christopher Marlowe, mon projet de thèse,”‘Untimely deaths’, suicide, imitatio et hétérodoxie dans les pièces de Christopher Marlowe”, se propose d’étudier le motif du suicide chez le dramaturge comme l’expression d’une réflexion plurielle et instable sur l’impiété et le désespoir. Mes recherches se situent à la croisée d’une approche historiciste et textuelle dans le but d’élucider la place du suicide marlovien au sein d’un réseau transculturel, fruit de la circulation des textes et des idées dans l’Europe de la Première modernité.
Agrégée d’anglais, Irène Vilquin effectue actuellement sa première année de thèse en tant que doctorante contractuelle à la Sorbonne-Nouvelle, sous la direction conjointe d’Anne-Marie Miller-Blaise (Sorbonne-Nouvelle) et de Rory Loughnane (Université du Kent). Elle travaille sur les notions de suicide et d’hétérodoxie dans le théâtre du dramaturge élisabéthain Christopher Marlowe, en accordant une place importante à la circulation transculturelle des textes et des idées.
Courriel: irene.vilquin@sorbonne-nouvelle.fr